ISRAEL LOPEZ “CACHAO”, Sin “Mambo” no hay “Salsa”

Por: Hollman Leal Gómez
Su vida musical se inició a temprana edad, cuando en compañía de otros jóvenes acompañaban las películas de cine mudo con interpretaciones musicales, su formación de músico clásico que recibió en el conservatorio le sirvió de herramienta propicia para lograr lo que más adelante se convertiría en su mayor aporte al mundo de la música, la unión de dos géneros el jazz y la música cubana y por supuesto su gran hijo, el Mambo.

Israel López “Cachao”, nacido en La Habana el 14 de septiembre de 1918 y fallecido en Coral Glabes, Florida, Estados Unidos, el 22 de marzo de 2008. Hijo de una tradición familiar musical, su abuelo, su padre, fueron músicos, “Cachao, empezaría a tocar de manera rápida rodeado por un entorno que a los ocho años de edad le daría espacio para crear sus primeras canciones, este prematuro conocimiento lo llevaría a interpretar varios instrumentos musicales con destreza, pero sería el contrabajo su compañero indisoluble.
Siendo contrabajista, con tan solo 13 años de edad entro a la Orquesta Filarmónica de la Habana, sus trabajos clásicos los alternaba con presentaciones con orquesta y agrupaciones de música popular cubana, en las noches de la Habana.
Integro entre los años de 1937 y 1949 la orquesta Las Maravillas de Arcaño, y fue esta una época de productividad creativa, marcada por la constante búsqueda de nuevas formas y estilos de interpretar la música cubana. En compañía de su hermano Orestes realizaron diferentes composiciones y fue así como apareció un hito de la música cubana que revolucionaria la forma de bailar originalmente la música cubana, Mambo, así se llamó esa pieza musical de 1937, que buscaba generar una forma más rápida, ágil, alegre de bailar el danzón y el son cubano, es decir la tendencia establecida en su época era hacer que los ritmos musicales cubanos se bailaran de forma pausada, lenta y aparentemente refinada, la aceptación como se prevé en los casos de la innovación, no fue la mejor ya que no se comprendió originalmente la celeridad de esta nueva forma de interpretar la música cubana.
Ya en el año de 1940, otro cubano se apropió de este estilo denominado Mambo, hacemos referencia a Dámaso Pérez Prado, quien en formas diversas y barrocas, vincularía la velocidad y el ritmo al extremo por todo el mundo, esto ocurriría con eje central en la ciudad de México, mientras otros músicos llevarían este nuevo estilo a Nueva York, para unirlo al Jazz y generar otra corriente, pero esa es otra historia.

Israel López, “Cachao”, no termina su historia ahí su innovación, espíritu creativo y dinámica de crecimiento musical continúa con otro proceso fundamental, para el año 1957, se realizaron grabaciones en lo que se denominó sesiones de reunión o “JAM SESSION”, estas grabaciones realizadas en las noches y madrugadas realizadas para el sello Panart en ellas aparecen diversos músicos de distintas orquestas que al finalizar lla jornada se acercaban al estudio a tocar sin limitaciones de tiempo o de estilo y dejaban fluir como descarga su torrente creativo, en ellas participaron Cachao y su Ritmo Caliente, Julio Gutiérrez y su Orquesta, Niño Rivera y su Cubans All Stars y José Fajardo y sus Estrellas. Existe un testimonio donde Cachao afirma: "yo pienso que fue un milagro grabar tantos números en sólo cinco horas, particularmente en la madrugada, desde las cuatro hasta las nueve de la mañana". Para tener en cuenta que existen dos grabaciones fundamentales como lo son Cachao y su conjunto Descarga y la otra Jam Session with Feeling: Descargas cubanas. Cachao no realizó ninguna grabación de solista desde que salió de Cuba en 1962, luego estuvo en España por un corto tiempo donde sobrevivió tocando en los sitios nocturnos de Madrid como La Riviera, es curioso porque el venia de ser líder de una agrupación y paso a ser integrante de otras orquestas, tal vez por el cambio cultural o por su expatriación forzosa, allí en los Estados Unidos y más exactamente en Nueva York, en el reconocido como el templo de la música afrocubana de la época, el Palladium, tocó en orquestas de los reconocidos de su época Tito Rodríguez, Eddie Palmieri y Tito Puente, solo hasta 1977, se presenta un nuevo trabajo ya como solista.
Dentro de su carrera música, Cachao se traslada a las Vegas donde sigue tocando con diferentes agrupaciones y recibe grandes ingresos, pero sus problemas de adicción al juego le hacen dilapidar su dinero lo que lo lleva a tomar la decisión de radicarse en Miami, sus presentaciones y su energía musical se redujo a la mínima expresión solo tocando en circuitos de bares menores, fiestas, matrimonios. Un músico humilde y con escaso reconocimiento histórico por su valioso aporte a la música y la creación del Mambo, que sería el género que cambiaría el concepto de la forma de tocar y bailar la música afrocubana y que aportaría elementos básicos para lo que se denominaría tiempo después “Salsa”.

Pero la historia le tenía guardada una sorpresa para el año de 1993, su vida musical estaba casi inactiva, un compatriota suyo conocedor del género del Mambo y lector de la historia musical lo contacto y relanzó su carrera por medio de un documental realizado sobre su vida y su música, llamado “Cachao….como su ritmo no hay dos”. Era un renacer musical, esta recopilación agrupaba las grabaciones producidas por el Andy García, actor de origen cubano, que registro los trabajos elaborados por Cachao con otros musicon a manera de descargas o Jam sessions, “Master Sessions”, ganaría el Grammy en 1994, adicionalmente como músico participo en el trabajo de Gloria Stefan “Mi Tierra”, también ganador de premio Grammy.
En el año 2000 participo en el trabajo Cuba Linda, producido por Andy Garcia nuevamente y trabajo con Bebo Valdés y Carlos “Patato” Valdés, en un álbum llamado “El Arte del Sabor”, ganador del premio Grammy nuevamente. Pero faltarían otros trabajos “Ahora Si”, en 2004, con otro premio Grammy y con la llave de Andy Garcia en la producción. Ya en el ocaso de su vida en el 2007 colaborara en el álbum 90 millas de Gloria Stefan.
El 22 de marzo de 2008, fallece un grande que recibió su reconocimiento al final de su vida, que recibió el doctorado de la Universidad de Berkeley (California) y una estrella en Paseo de la Fama de Hollywood.
Israel Lopez “Cachao”, tuvo la fortuna de explicar su legado musical, al final de su vida y relanzar su aporte a la historia, ese estribillo de “mambo, mambo, mambo”, cambiaría la forma de hacer música afrocubana, la forma de bailar y le daría al música una dinámica que no ha dejado de existir la estructura del orquesta de Salsa, no me refiero a los instrumentos sino al fondo de la música que se hace en la “SALSA”, ritmo, energía, sabor y armonía continua y viva. Gracias Cachao.
Bibliografía y fuentes.
http://www.biografiasyvidas.com/biografia/l/lopez_israel.htm
http://www.allmusic.com/artist/cachao-mn0000639697
http://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/espectaculos/3-9586-2008-03-24.html
http://web.archive.org/web/20120316004759/http://www.sfgate.com/cgi-bin/article.cgi?f=/chronicle/a/2004/10/24/PKGMU9AQQG1.DTL

STANLEY TURRENTINE, SAXOFÓN CON UN TONO ONDULADO, SUGARMAN.

William Stanley Turrentine mantuvo una sonoridad particular en el saxofón tenor en su carrera en el mundo del Jazz. "El Sugar Man" o el original "Mr. T creo un estilo sencillo, delicado, triste, que le permitio obtener distintos premios durante su carrera artistica.

Una leyenda del saxofón tenor, Stanley Turrentine era conocido por su distintivo grueso, tono ondulado, una ancla en el en el blues, y su capacidad para trabajar en la creacion y la sensibilidad profunda de su concepción creativa lo hacian unico. La importancia de sus grabaciones con el sello Blue Note, en los años sesenta lo hicieron obtener un reconocimiento amplio dentro de los criticos así en tiempos posteriores empezara su proceso de fusión y experimentación.

Un músico consumado que aprendió su oficio a través de experiencias e influencias dispares, Turrentine recibió su formación musical formal durante su etapa militar a mediados de los años 50. En 1959, saltó de la sartén al fuego cuando dejó el ejército y se dirigió directamente a la banda del gran baterista Max Roach.
El órgano centrado soul-jazz que Jimmy Smith y Shirley Scott, inventaron un nuevo Turrentine la puerta de entrada perfecta para cruzar a territorio pop. Su primera incursión en esta nueva música, comenzó en 1969 cuando firmó con Slick y el exitoso sello CTI de Creed Taylor.
Sin embargo, Turrentine perseveró en el paisaje siempre cambiante de jazz, con la exploración de su perdurable, sonido soulful y el enfoque de blues. Que le permitira seguir siendo un favorito unico y perdurable en el cambiante sonido del Saxofón tenor y el JAZZ.

La Cumbia, el primer grito de independencia de Colombia.

Por: Hollman Leal Gómez.

A mi hija, Sofía, la cumbia hace parte de tu identidad.

“Ritual sublime de los Pocabuy,
En la rueda de la Cumbia
Se despedían de los bravos guerreros
Que allí morían
Que allí morían
En la paz de la Cumbia”.
“Cumbia de la PAZ” grabada por “Chico Cervantes”

Cada país en Latinoamérica, tiene un tinte cultural distinto, una marca imborrable de sus características genéticas y culturales, esta es una verdad a gritos. Pero más allá de ser esta una afirmación que nos sirve de marco para dar inicio a este artículo, son los elementos que conformaron este basto continente, la cultura de los pueblos indígenas, la de los europeos y la de los africanos, lo que capta nuestra atención. Estos elementos que dieron origen a las primeras regiones que luego se convertirían en países, que posteriormente de manera particular recibirían otras migraciones que ahondarían mucho más la generosidad de culturas como las culturas orientales ,italiana, francesa y alemana.
Colombia marca profundamente esta mezcla, la presencia de las tres culturas fundamentales nombradas anteriormente, unidas y que generan las regiones Caribe, Andina, Pacifica, Llanos Orientales y Amazonía y que a su vez afianzan su carácter, indígena, blanco europeo o negro africano.

La Cumbia, es un vocablo que se deriva de una palabra de las lenguas Bantúes “CUMBE” que significa danza, en la zona geográfica conocida como Guinea Ecuatorial, es válida la aclaración de quienes son los pueblos Bantúes: Son aproximadamente 400 grupos étnicos que van desde la antigua región de Duala hoy llamada Camerún hasta la zona donde desemboca el rio Yuba, en lo que se denomina como Somalia, estos pueblos son variados no mantienen una unidad o una característica racial pero se agrupan de la siguiente manera: Fang, bakuga, baluba, lingala, bakongo, hutus, baganda, kikuyus, tongas, bechuanas, hereros, swazi, sotho y xohsas. Como característica lingüística todas sus palabras terminan en vocal.
La mezcla etnomusical que origina a la cumbia se logra durante la Colonia en el país indígena del Pocabuy (conformado por las actuales poblaciones de El Banco, Guamal, Menchiquejo y San Sebastián en el Magdalena, Chiriguaná y Tamalameque en el Cesar y Mompox, Chilloa, Chimí y Guatacá en Bolívar), ubicado en la actual Costa Caribe colombiana, en la parte alta del valle del río Magdalena, región de la Depresión momposina (incluidas las culturas de las sabanas y el Sinú, al norte de la Pincoya), producto de la fusión musical y cultural de indígenas, esclavos negros de origen africano y, en menor escala, de los españoles, como dan referencia de ello historiadores como Orlando Fals Borda en su libro Mompox y Loba, de la serie Historia Doble de la Costa, Tomo I y Gnecco Rangel Pava en sus libros El País de Pocabuy y Aires Guamalenses.

Vale aclarar que existe otra corriente que dice que el verdadero origen de la Cumbia es Cartagena, capital del departamento de Bolívar, sobre el Mar Caribe, también en el norte de Colombia, donde se indica que nace como una expresión artística y danzaría de los negros libertos y su contacto con los indios en el cerro de la Popa.
La mezcla cultural y de A.D.N de los diferentes pueblos que llegaron a esta zona del mundo se puede resumir en el carácter de la triada que representa la Cumbia, lo Indio, lo Negro y lo Europeo.

 La Estructura Musical de la Cumbia:
La Cumbia mantiene una formación musical de conjunto, originalmente es totalmente instrumental agrupando los instrumentos de la siguiente manera:

CONJUNTO DE TAMBORES: Denominados Llamador, Alegre y tambora
El llamador, el tambor más pequeño de todos, también llamado macho, que marca la cadencia rítmica o compás, por lo cual es al único que no se permiten los llamados "revuelos" o "lujos" en su interpretación.
El alegre o hembra, tambor que marca la melodía; "juguetea" con las notas de las melodías dictadas por los instrumentos líderes en este sentido y que se adorna con complejas y alegres improvisaciones sobre todo al final de la frase melódica, durante su ejecución.
La tambora, o bombo colombiano, es un tambor mayor en su tamaño colocado sobre un soporte, y con dos parches de cuero ajustados mediante cuerdas, uno en cada boca de la caja de resonancia, en el cual recae toda la responsabilidad de la pronunciación del acento sonoro característico de los aires tradicionales en el acompañamiento de cada pieza musical. Proporciona adornos y el bajo. Además de golpes sobre el parche, se toca la parte de los aros de madera que fijan los parches.
Flauta de millo: instrumento de viento que reemplaza a las gaitas, también es conocido como flauta traversa de millo, lata, bambú y carrizo. Es un instrumento abierto en ambos extremos de 25 a 30 centímetros de largo y entre 1,5 a 2 centímetros de diámetro. Tiene cuatro orificios separados entre 1 y 1,5 centímetros y a 10 centímetros de la lengüeta. También conocido como pito atravesado en los departamentos de Sucre, Córdoba y Bolívar, se sostiene con los dientes para producir el efecto vibrante de los sonidos agudos, logrando sonidos
Gaitas: Instrumentos de viento de origen indígena, la gaita derecha o macho, es fabricada de la planta de cardón, con un extremo recubierto de cera de y con un orificio por donde se coloca una pluma de pato, como boquilla y con 2 orificios, cumple la función marcante y de fortaleza sonora dentro de la estructura del conjunto. La gaita hembra de 5 orificios desarrolla la melodía. Un gaitero interpreta la gaita macho con una mano, en la otra agita con gran habilidad la maraca y solo interrumpe la gaita para realizar su canto. Estos instrumentos recibieron el nombre de gaitas por el sonido similar al de la gaita andaluza española sus nombres indígenas son los siguientes, la gaita macho se denomina KUISI SIGI, la gaita hembra KUISI BUNZI.
Maracas: Original en el idioma de los indígenas guaraníes se dice mbaraka, fabricado a partir del fruto de del árbol de totumo y una rama del mismo palo atraviesa el totumo que contiene semillas o piedrecillas en su interior, le da el brillo al conjunto musical.
Guache: Instrumento idiófono como las maracas o maracón brinda un acompañamiento y brillo melódico, es de cuerpo alargado con semillas dentro, es generalmente metálico y aprovecha las improvisaciones del tambor alegre.
La Voz: Las voces y el canto con una voz líder y un coro responsorial de la estructura negra africana, que ellos denominaban “Areito” y que unen a los cantos españoles flamencos, lastimeros y nostálgicos.
Retomo esta descripción realizada por el teniente de la marina sueca Carl August Gosselman en su obra “Viaje por Colombia: 1825 y 1826” cuenta sobre su visita a Santa Marta, con un gran sesgo europeo de acuerdo a su apreciación estética, lo citamos por su valor histórico y como documento de evidencia de la tradición cumbiambera.
“Por la tarde del segundo día se preparaba gran baile indígena en el pueblo. La pista era la calle, limitada por un estrecho círculo de espectadores que rodeaba a la orquesta y los bailarines. La orquesta es realmente nativa y consiste en un tipo que toca un clarinete de bambú de unos cuatro pies de largo, semejante a una gaita, con cinco huecos, por donde escapa el sonido; otro que toca un instrumento parecido, provisto de cuatro huecos, para los que solo usa la mano derecha, pues en la izquierda tiene una calabaza pequeña llena de piedrecillas, o sea una maraca, con la que marca el ritmo. Este último se señala aún más con un tambor grande hecho en un tronco ahuecado con fuego, encima del cual tiene un cuero estirado, donde el tercer virtuoso golpea con el lado plano de sus dedos. A los sonidos constantes y monótonos que he descrito se unen los observadores, quienes con sus cantos y palmoteos forman uno de los coros más horribles que se puedan escuchar. En seguida todos se emparejan y comienzan el baile. Este era una imitación del fandango español, aunque daba la impresión de asemejarse más a una parodia. Tenía todo lo sensual de él pero sin nada de los hermosos pasos y movimientos de la danza española, que la hacen tan famosa y popular.”
Carl August Gosselman (1801-1843), Viaje por Colombia: 1825 y 1826. Página 14
En resumen:
• El músico mayor es el gaitero quien toca la gaita hembra.
• El segundo músico es el tamborero quien toca el tambor alegre.
• El tercer músico es el de la tambora o bombo el cual se toca con baquetas.
• El cuarto músico es el llamador.
• El quinto músico es el maraquero quien acompaña con otra flauta o gaita macho.
• El último es el guachero opcional.

La cumbia es un árbol madre de otros ritmos como el porro, la gaita, la chalupa, el bullerengue, el garabato, el chandé, la tambora, el berroche, el paseo, el son, la puya, citando algunos de los ritmos más representativos.
Esta es la estructura de la Cumbia clásica sin voces originalmente, pero para los años cuarenta surge un movimiento que genera una expansión de los ritmos colombianos pero es la Cumbia la que logra calar primero en los salones de baile en el interior del país, para luego proyectarse por toda América, Lucho Bermúdez y Pacho Galán, reemplazan las gaitas por instrumentos de viento como el clarinete, se apropian de la estructura de la gran banda de jazz, con arreglos novedosos y dinámicos enfocados al baile. México y Argentina, son los primeros en comenzar a vivir el movimiento de la Cumbia colombiana, adaptándola a su estilo particular y apropiándose de esta, porque no existían ritmos propios de carácter fiestero y caribe en estos países, es la cumbia la que llena este lugar. Luego Perú, Ecuador, Venezuela y todo el continente. Éxitos gigantescos como La Pollera Colorá que sonó insistentemente en todo el país y el continente, marcan el inicio de la expansión de la Cumbia.

Otro elemento para tener en cuenta de la difusión de la Cumbia en América, fue la realización de la película mexicana “Pueblo, Canto y Esperanza”, de 1954, esta realización tiene tres momentos, cada uno pertenece a un cuento, el primero de ellos se llama San Abdul de Monte Callado, escrito por el cubano Félix Pita Rodríguez, el segundo cuento se llama “El Machete” del colombiano Julio Posada y el tercero “Tierra, Plata y Oro” del mexicano Ladislao López Negrete, en la escena final aparece una adaptación muy libre del concepto de colombiano, de cumbia y del baile que esta representa, pues supuesto recolectores de café, antioqueños, bailan la cumbia de una manera adaptada al concepto mexicano, bailan cumbia en una región a donde no pertenece el género y tocan con instrumentos que no pertenecen al sonido de este género, sin embargo la “Cumbia Sampuesana” o como le decían popularmente “Ya no más”, por el coro del acordeón, se lleva la atención registra un grandísimo éxito en México y toda América Latina.

Andrés Landero y su destacado alumno,de Monterrey, México, Celso Piña

La Cumbia con acordeón genera una estructura nueva y dinámica que afianza esa presencia de las orquesta ya nombradas con el sonido que le da un tono arriesgado y moderno que lo acerca a otros públicos Andrés Landero su representante se convierte en un ídolo en México, donde se le rinde aun hoy día tributo a través de los alumnos avanzados de su sonido.

Otro baluarte fundamental de la conservación, difusión y expansión los constituyen los Gaiteros de San Jacinto, agrupación tradicional nacida en el año de 1940, originarios de la población que les da el nombre, San Jacinto, departamento de Bolivar, fundada por Miguel Antonio Hernández Vásquez, conocido como “Toño Fernandez”, en compañía de Juan y José Lara, Pedro Nolasco Mejía y Manuel de Jesús “Mañe” Serpa. Se convirtió asi en escuela y guía de la corriente fundamental de la Cumbia, han viajado por el mundo varias veces y se ha renovado la estructura de los músicos a sus herederos del grupo familiar o de la región, en el año 1982 “Toño Fernández” Fallece y lo reemplaza en la dirección su sobrino Joaquín Nicolás Hernández Pacheco, destacamos la grabación realizada en el año 2006, con por Instituto Smithsonian de los Estados Unidos, en su proyecto grabaciones folclóricas, el álbum “Un fuego de Sangre Pura”, les permitió ganar el Premio Grammy Latino al mejor álbum de música folclórica.
José Benito Barros, nacido el 21 de marzo de 1915 en el Banco, Magdalena y fallecido en Santa Marta, el 12 de mayo de 2007m compositor de aproximadamente 800 canciones y fundador con un grupo de amigos del Festival de la Cumbia en el año de 1971, en el Banco, Magdalena. Compositor de la emblemática cumbia “La Piragua”.

El maestro José Barros y Toto la Momposina

Sonia Bazanta Vides, conocida musicalmente como “Toto la Momposina”, nacida el 15 de enero de 1948, en Talaigua, Bolivar. Cantante, compositora, música consagrada y embajadora de la música colombiana ante el mundo, ha grabado siete álbumes. Difusora de los géneros caribes colombianos, propulsora de la cumbia, con la fuerza de ser referente innegable de la Cumbia colombiana.

 La Cumbia como baile.

La Cumbia presenta movimientos sensuales, marcadamente galantes, seductores, característicos los bailes de origen africano.
El vestuario cuenta con evidentes rasgos españoles, muy parecidas a las del actual flamenco: Largas polleras, encajes, lentejuelas, candongas, etc. Y los mismos tocados de flores y el maquillaje intenso en las mujeres. Las vestimentas de los hombres, por otro lado, son muy parecidas a las usadas en los encierros en el marco de las fiestas de San Fermín en Pamplona: camisa y pantalones blancos, un pañolón rojo anudado al cuello y sombrero.
En la cumbia la mujer tiene movimientos diferentes al hombre; esta lleva un manojo de velas encendidas en su mano derecha y la izquierda la lleva en la cintura o sea teniendo el extremo de la falda o de pollera a la altura de la cintura, moviéndola adelante y atrás al compás de la música.

Sus movimientos son un poco pasivos, sin saltos y tongoneos, con el busto y la cabeza muy erguidos en cuanto al paso. La mujer afirma las plantas de los pies y se desliza con pasitos muy cortos pero llevando el ritmo con todo el cuerpo.
El hombre, levanta el talón del pie derecho y afirma toda la planta del pie izquierdo; con libre movimiento del cuerpo ejecuta toda clase piruetas, gesticula, hace ademanes, pela los dientes, saca la lengua, se coge de hombros, se encorva, se quita el sombrero, se lo vuelve a poner y obsequia más velas a la pareja para alagar, le baila al frente, a los lados, por detrás, da vueltas a su alrededor.

 CONCLUSIONES:

 La cumbia es resultado del mestizaje étnico y cultural, de los indios nativos de la región, los negros traídos de África y el español como poder dominante de los pueblos.
 Los instrumentos del conjunto de Cumbia, son resultado de este proceso de mestizaje, las gaitas originalmente estaban involucradas en los rituales de los indígenas y estaban involucrados en el carácter místico y religioso de estos pueblos.
 La percusión africana se une a las gaitas de los indígenas y nace la cumbia clásica que no tiene voz es solo instrumental.
 La Cumbia se extendió por América Latina y lleno el espacio de las músicas bailables en muchos de estos países, es decir en muchos países no existía una música para bailar entonces nace la adaptación de la Cumbia, en Chile, Argentina, México, Venezuela y en Centroamérica.
 La Cumbia nutre a otros géneros, les da rítmica y permite que se mezclen nuevas tendencias musicales, lo cual hace que se piense en una continuidad y un gran futuro para este género musical. La Cumbia está viva en los festivales y eventos que se realizan en Colombia y que pretenden mantener viva la esencia y legarla a las nuevas generaciones.
 La Cumbia constituye un patrimonio cultural y baluarte de la identidad de Colombia, su sonido es único, es resultado de la vivencia de las tres culturas, que dan origen al país, es una de las expresiones pacificas de esta cruenta integración. Fue el primer grito real de independencia de los pueblos que se encontraban bajo el dominio español, el canto y el baile permitía liberar los espíritus de los que se encontraban esclavizados hacia fue por un solo por un dia o por las noches, con la esperanza de sobrevivir para volverlo a hacer nuevamente. La identidad de Colombia vive en la Cumbia.

BIBLIOGRAFIA.
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ABADÍA, Guillermo. Compendio general del folclor colombiano. 1983 4a ed., rev. y acotada. 547 p.: ill.; 22 cm. Bogotá: Fondo de Promoción de la Cultura del Banco Popular. (3. ed en 1977).
DAVIDSON, Harry. Diccionario folclórico de Colombia. Tomo III. Banco de la República, Bogotá, 1970.
OCAMPO, Javier. Música y folclor de Colombia. Enciclopedia Popular Ilustrada, No. 5. Bogotá, Plaza y Janés.ó 2000. ISBN 958-14-0009-5.
Revista Colombiana de Folclore. No. 7, Vol. III. Bogotá, 1962.
Ballanoff, Paul A. Origen de la cumbia Breve estudio de la influencia intercultural en Colombia. América lndígena 31, no 1: 45-49. 1971.
ZAPATA OLIVELLA, Delia. La cumbia, síntesis musical de la Nación colombiana. Reseña histórica y coreográfica. Revista Colombiana de Folclor 3, no. 7:187-204. 1962
RANGEL PAVA, Gnecco. Aires guamalenses. Kelly, 1948.

LA CUMBIA ET LA COLOMBIE

• La fête nationale de la Colombie est le 20 juillet, jour de la constitution de la junte qui, à Bogotá, en 1810, lance le mouvement d'insurrection et proclame, un an plus tard, l'indépendance de la fédération des provinces de la Nouvelle-Grenade, en rompant avec l'Espagne.
• Le nom de « Colombia » fut conçu par le vénézuélien Francisco de Miranda pour dénommer le territoire correspondant aux actuels Équateur, Colombie et Venezuela, en hommage à Christophe Colomb .
• Le climat de la Colombie est bien adapté à l'agriculture grâce aux conditions météorologiques classiques des régions proches de l'Équateur, avec un climat tropical à température constante au long de l'année prédominant.
• La Colombie est l'un des pays les plus riches de la planète en matière de biodiversité, classée à ce titre de Pays méga divers en tant que second pays le plus diversifié au monde. Avec ses deux côtes (Pacifique et Caraïbe), ses nombreuses montagnes, son climat varié, la diversité des biotopes est particulièrement vaste.


LA CUMBIA, genre musical de la Colombie.

 La cumbia est un genre musical et une danse né au XVIIe siècle en Colombie.
 Au commencement, il y avait les tambours des esclaves accompagnant les veillées funèbres. Plus tard, les Indiens des Antilles ont ajouté ocarinas, flûtes de roseau et gaïtas (sorte de longues flûtes indiennes). Les Espagnols apportent par la suite la mélodie, les paroles et la danse. Des maracas et des bongos sont parfois utilisés.
 La cumbia est née dans la partie haute de la vallée du fleuve Magdalena en ((Colombie de l'est)) dans l'espace géographique appelé dépression Momposina, plus précisément dans la zone qui correspond au pays indigène Pocabuy.
 Les esclaves africains de cette région, se sont servis de chants nommés areítos qui signifie danser en chantant pour conter l'histoire de leur groupe ethnique et de faits dignes d'être gardés en mémoire. Ainsi ces chants étaient une leçon historique que gardaient en mémoire ceux qui l'entendait.
 La cumbia est une danse et un rythme élaborés à travers trois cultures différentes : la culture noire avec l'apport des esclaves, blanche avec les espagnols présents en Colombie et indiennes. La colonisation a en effet permis le métissage de ces cultures.

La présence de ces éléments culturels peut s'apprécier ainsi:
 Présence de mouvements charnels, caractéristique des danses d'origine africaine.
 Les costumes de cette danse s'inspire de ceux de la culture espagnole, et sont très proches des habits de l'actuel flamenco: jupes longues, dentelles, paillettes, etc., sans oublier l'intense maquillage des femmes et leur coiffure de fleurs. Les habits masculins eux sont plus proches de ceux utilisés pendant les encierros (tradition selon laquelle les taureaux sont conduits à travers la ville jusqu'au toril avant la corrida), les fêtes de San Fermín à Pampelune: chemise et pantalon blanc, un foulard rouge porté au cou et un chapeau.
 Pour ce qui est de la musique, les tambours sont d'origine africaine, les maracas, les sifflets et les flûtes d'origine indienne, tandis que les chants et chansons populaires viennent de la poésie espagnole, bien qu'adaptée à la cumbia

Ecrit par: Hollman Leal.

Festival Internacional de Jazz de Montréal trigésimo cuarta edición 2013. “10 días respirando Jazz”

Por: Hollman Leal Gómez.

Descubrir una definición para la palabra Jazz y todo lo que este género involucra después de ver todo lo que se expone, se vive, se presenta, se interpreta y se siente en un festival de este nivel, lleva a revaluar el concepto de Jazz como una música nacida en el sur de los Estados Unidos y llevadas a la ciudad y vinculada con la expresión, improvisación y vivencias de un pueblo y un grupo de músicos.

Sin rebatir la eficacia y eficiencia de una organización como las Naciones Unidas, que muy claramente tiene bastantes dificultades para representar y hacer valer los ideales y valores que la formaron originalmente.
Destacamos dentro de sus labores importantes el afán de integrar, articular y generar espacios de inclusión, diversidad a nivel mundial, por esa razón se creó el día internacional del Jazz que es el 30 de abril, citamos el comunicado generado por l O.N.U. en noviembre de 2011 en la conferencia general de la U.N.E.S.C.O. donde se proclama el día internacional del Jazz y se exponen argumentos interesante que se tejen en torno a este género musical, trascribimos:

“¿Por qué un Día Internacional del Jazz?
• El jazz rompe barreras y crea oportunidades para la comprensión mutua y la tolerancia
• El jazz eje de la libertad de expresión
• El jazz es un símbolo de unidad y paz
• El jazz reduce tensiones entre individuos, grupos y comunidades
• El jazz fomenta la igualdad de género
• El jazz refuerza el papel que juega la juventud en el cambio social
• El jazz promueve la innovación artística, la improvisación, nuevas formas de expresión y la integración de músicas tradicionales en las formas musicales modernas
• El jazz estimula el diálogo intercultural y facilita la integración de jóvenes provenientes de medios marginados.

Esta jornada tiene como objetivo sensibilizar al público general sobre las virtudes de la música jazz como herramienta educativa y como motor para la paz, la unidad, el diálogo y el refuerzo de la cooperación entre pueblos. Gobiernos, organizaciones de la sociedad civil, instituciones educativas y ciudadanos particulares ya implicados en la promoción de la música jazz aprovecharán esta oportunidad para fomentar la idea de que no se trata tan sólo de un estilo de música, sino de que el jazz contribuye también a la construcción de sociedades más inclusivas. Organización de las Naciones Unidas. «

Con ochocientos conciertos y más de 600 actividades anexas, este festival se convierte en el más importantes de su género en el mundo y es una clara expresión de lo que representa el amplio termino del JAZZ , retoma los origines de esta música cuando esta hacia que las barreras raciales y sociales, se rompieran al ritmo de un saxofón, cuantas peleas, actitudes discriminatorias y vidas se pudieron salvar por el sonido de esta música, que nace en el corazón del Caribe Norteamericano , en el sur sobre el rio Mississippi, en esas vertientes, tan Caribes, como Cuba, Cartagena o cualquier ínsula de este basto universo de aportes y fusiones musicales.

GEORGE BENSON.


Este festival y sin tornarnos románticos o utópicos brinda un espacio de multiculturalidad, encuentro, propuestas y sonidos clásicos, con otros géneros que se nutren y alimentan al Jazz, el Jazz está vivo más que cualquier otra música, por su carácter permeable, creativo y vivo que permite entrar en otros géneros sin perder su esencia y deja que otros géneros crezcan bajo su sombra.

CHARLES LLOYD QUARTET


Desde las once de la mañana hasta la media noche de estos diez días, se sintió el olor a Jazz, clásico, contemporáneo, free, bebop, modal, fusión, rock, blues, latino, tal vez porque Montreal vive el verano, el calor eterno del Caribe, el estar situada a la orilla de un rio como el San Lorenzo, la hace vivir así sea por esa decena de días, la experiencia de la música que nace de la profundidad de la tierra, del corazón de una región que no tiene límites y acepta a todos bajo sus acordes sonoros.
Que viva el Jazz.

JUNIOR CORDOVA, LA VOZ DE LA CINTA VERDE #3 SERIE VOCES DE LA SALSA TROPICOYCLASICO

Hace unos meses iniciamos el recuento de los innumerables cantantes del género salsero. Iniciamos esa serie con Ismael “Pat” Quintana. (JULIO 2012- El cantante de la Perfecta Ismael Quintana), luego Chamaco Rivera, Del Barrio Obrero a la quince. (ENERO 2013).

Continuamos con esta serie con otro nuevo intérprete Junior Córdova. (Nace el 4 de diciembre de 1949, Toa Alta, norte de Puerto Rico). Inicio su carrera en su infancia, en su escuela de su localidad, luego en el grupo folclórico de Maso Rivera, en su pueblo natal, luego integraría el conjunto Dorados Aces. Posteriormente se integraría ya orquestas de talla como la de Jhonny el Bravo.

Para el año 1973, encontraría el reconocimiento con la participación de la orquesta de Nelson Feliciano, “la Cinta Verde” canción esta que lo enviaría al nivel de gran estrella en el mundo salsero, pero no obtendría el reconocimiento económico esperado, lo cual lo hizo desistir de su idea de mantenerse en Nueva York y pensar en regresar a Puerto Rico, pero la llamada clave llegaría, Rafael Cortijo, si, el legendario músico borinqueño, lo requirió para para la voz de su álbum “Siete Potencias”, esto en el año de 1973.

Con Rafael Cortijo, su voz comenzaría hacer parte de los más recordados y entraría por la puerta de los cantantes clásicos de la Salsa, pero aún faltaba mucho más. Pasaría de un conjunto de salsa de enfoque típico y folclórico, a una orquesta de corto jazzístico y experimental como se conocería a la Compañía de Bobby Rodríguez, “Sonero del Barrio”, “El Buzón”, “Veneno”, “Hipocresía” y claro está “El número 6”, incomparable voz, de gran talento, refugiado hoy en día en el silencio, una persona que aporto su vitalidad, su cadencia rítmica y un tono que hace que los salseros, siempre reconozcan su innegable talento y timbre. «A mí me llaman Sonero, porque es que yo canto Salsa nada más….”

RAY MANZAREK, “Si las puertas de la percepción fueran depuradas”, Un adiós a un gran músico de THE DOORS.

"Si las puertas de la percepción fueran depuradas, todo aparecería ante el hombre tal cual es: infinito" ("If the doors of perception were cleansed every thing would appear to man as it is, infinite"). William Blake. (Pintor y escritor Inglés)
El pasado 20 de mayo de 2013 se daba a conocer una noticia con bajo perfil en los medios de comunicación y en el ámbito del rock mundial, la muerte del pianista, cantante, productor, director de cine y escritor norteamericano Raymond Daniel Manczarek, conocido en el mundo del rock como RAY MANZAREK, nacido el 12 de febrero de 1939, en Chicago, Illinois. Cofundador de la banda clásica del rock THE DOORS.(1965-1973)

La historia nos dirá que conoció a Jim Morrison mientras estudiaban cinematografía en la UCLA, (Universidad de California de Los Ángeles) y al finalizar el curso en una playa de Venice, California, Jim Morrison, leyó canto un tema que recientemente había escrito titulado “Moolight Drive”, Manzarek que tenía una banda con su hermanos llamada Rick and the Ravens, quedo impresionado con el estilo y la forma de escribir de Morrison, le propuso que integrara la banda con sus hermanos, pero estos nos estaban de acuerdo con el estilo y la propuesta de Morrison, ante esta situación decidió integrar a dos conocidos al baterista John Densmore y al guitarrista Robby Krieger de una banda The Psychedelic Rangers. Esta sería la formación original de THE DOORS, quien toma el nombre del fragmento del poema con el que iniciamos este artículo.

El aporte musical de Ray Manzarek, es válido en la medida que representa el sonido orgánico de una agrupación, en la original forma de interpretar el teclado y el bajo simultáneamente, (el bajo era reemplazado por esta suerte de teclado que imita el sonido del bajo, ya para las grabaciones en estudio se reemplaza el bajo por efectos de la baja calidad de estos teclados) en los coros y voces que aporto a su agrupación, en los arreglos y en esos solos, delirantes, extensos, visionarios que encierran la certeza del sonido psicodélico de su género y de su tiempo.

Esta es su producción como músico de The Doors:
Riders on the Storm
1971 L.A. Woman
Light My Fire
1967 The Doors
The End
1967 The Doors
Touch Me
1969 The Soft Parade
People Are Strange
1967 Strange Days
Roadhouse Blues
1970 Morrison Hotel
Break on Through
1967 The Doors
L.A. Woman
1971 L.A. Woman
Love Me Two Times
1967 Strange Days
Gloria
1983 Alive, She Cried
Hello, I Love You
1968 Waiting for the Sun
Peace Frog
1970 Morrison Hotel
The Crystal Ship
1967 The Doors
Love Street
1968 Waiting for the Sun
Love Her Madly
1971 L.A. Woman

Esta es su producción como solista:
• The Golden Scarab (1973)
• The Whole Thing Started with Rock & Roll Now It's Out of Control (1974)
• Carmina Burana (1983)
• Love Her Madly (2006)
• Ballads Before The Rain (con Roy Rogers) (2008)
• Translucent Blues (con Roy Rogers) (201

Bobby Rodríguez, La Compañía y la Nueva Compañía, “El Sonero del Barrio”:

Primera Parte:

Cuando se piensa en la herencia musical existen muchas orquesta que realizaron en su tiempo obras, que no fueron recibidas con la mayor profundidad por el público o su impacto se ve reflejado en generaciones futuras. Así es la música el impacto creativo puede verse revelado en años posteriores.

El caso que les presentamos es el de Roberto “Bobby” Rodríguez, músico multinstrumentista arreglista, compositor, director de sus orquesta La Compañía y la Nueva Compañía.
Bobby Rodriguez, inicio su carrera musical en compañía de su hermano Ray en la orquesta que el dirigía, allí, sus primeras composiciones se destacan de manera común con Néstor Sánchez, conocido como el “Albino Divino”.


PROXIMAMENTE LA AMPLIACION DE ESTE ARTICULO.....EL SONERO DEL BARRIO.....

THE POLICE, “Un mensaje dejado en una botella”

Los giros de la historia llevan a un mismo lugar, inicio con esta frase para contextualizar la formación de uno de los referentes del rock en los finales de los años setenta y la década de los ochenta, un grupo que se abrió paso en el momento culmen del Punk ingles a finales de los setenta y en la puerta que se abre para lo que se denominaría los nuevos románticos o NEW WAVE, me refiero a The Police.
La cronología nos dice que a finales de diciembre de 1976, Stewart Copeland, baterista integrante de Curved Air, otra agrupación y que tenía una carrera en solitario con el sobrenombre de KLARK KENT, con polirritmia compleja en su batería se une a un guitarrista francés Henry Padovani, recién llegado a Londres con el fin de unirse a la carrera del genero Punk inglés, es Copeland, quien bautiza esta primera formación con el nombre The Police, pero les faltaba un bajista, él baterista había tenido la oportunidad de encontrar otro músico, Gordon Mathew Sumner, conocido en el círculo de amigos como “Sting’’ ya que en alguna ocasión se presentó con un suéter amarillo y negro como las rallas de una abeja, nuevamente el baterista Stewart Copeland, recordó haberlo conocido y lo invito hacer parte de la formación, Sting había tocado ya con varios grupos de jazz fusión, la reunión fue corta, dos horas Copeland y Sting y la conexión se hizo, ya está lista la agrupación COPELAND-SUMNER-PADOVANI, y listo al estudio, pero sus primeros temas estuvieron puestos en el Punk, Copeland quería una agrupación punkera, pero Sting no estaba convencido totalmente.

Para el 12 de febrero de 1977, The Police, ingresa a los estudios Pathway Recording, un estudio sencillo con 8 canales y registran los dos primeros sencillos Fall Out y Nothing Achieving, de corte punk totalmente, con proceso de autogestión logran vender más de 4000 ejemplares, de gran éxito teniendo en cuenta la novedad de la agrupación y la saturación del genero punk, pero el salto ya estaba dado, el abuelo del baterista, Miles Copeland, les propone que realicen una pequeña gira con la punkera música norteamericana Cherry Vanilla, en varios clubes nocturnos de Londres.

De allí se inician giras con la agrupación holandesa Wayne County y Electric Chair, de igual manera el 28 de marzo de 1977 en Paris en le Palais des Glaces, Generation X, The Jam y les Stinky Toys. Todo esto los llevaría a realizar su primera presentación como grupo cabeza de un concierto en Londres en el Hotel Railway, el 31 de mayo de 1977.

Por su parte Sting, estaría participando en otros proyectos musicales, gracias a los cuales conoce a un músico de estudio, con amplia trayectoria, experiencia y formación musical, que lo hace sentirse más cómodo a la hora de componer, me refiero a Andy Summers, quien integraría en septiembre de 1977,COPELAND-STING-SUMMERS, esa es la agrupación oficialmente y se inicia la preparación del primer álbum, que se realizaría para la compañía A&M Records en 1978 y que de manera inmediata escalo las listas de éxitos con dos temas referentes de esta banda “Roxanne” y “So lonely”, tan solo en un año aparece otro álbum y Regatta de Blanc, con los éxitos Message in a bottle y Walking in the moon.

DISCOGRAFIA THE POLICE

Albumes de estudio de grabación
• 1978 Outlandos d'Amour
• 1979 Reggatta de blanc
• 1980 Zenyattà Mondatta
• 1981 Ghost in the Machine
• 1983 Synchronicity
Albumes en Concierto.
• 1995 Live!
• 2008 The Police - Certifiable


Después de un año de descanso la banda se vuelva a reunir para grabar Synchronicity, que le representaría a uno de sus más populares éxitos al generar la balada rock “Every Breath you take”, con ventas extraordinarias para el grupo, pero que ya alcanzaban un estilo musical diferente y las carreras de cada uno de los integrantes estarían ya vinculadas de manera individual a sus proyectos. En 1984 se anuncia la separación de la banda, Sting tendría éxitos como solista, innumerables composiciones que se convirtieron rápidamente en éxitos comerciales. El baterista Stewart Copeland, figuraría como un importante músico de bandas sonoras y música incidental en la cinematrografia, obteniendo varias nominaciones a premios Oscares. Mientras Andy Summers ha grabado 12 discos de manera individual, en compañía de músicos reconocidos del rock y el jazz y fue incluido en el salón de la fama de Rock, como uno de los mejores guitarristas de todos los tiempos.

Han vuelto a reunirse como agrupación en varias ocasiones 2001 y 2006, han vendido 50 millones de copias.
Su virtuosismo influyo claramente en las nuevas generaciones de músicos y seguidores. Por qué? The Police, es el vínculo entre el PUNK acido, depresivo y autodestructivo y las sonoridades negras jamaiquinas del Reggae, son además la puerta a lo que se denominaría Post-punk o new wave, de lo cual ya hablamos en anteriores oportunidades, con un positivismo y dinámica musical que como ocurra tantas veces en el Rock, cuando se cree que no hay salida, aparece una luz de inspiración y creación musical novedosa, eso es THE POLICE, un mensaje en una botella lanzada al mar.

Bibliografía:
página oficial www.thepolice.com
Sting et le groupe Police por Barney Cohen.

Armando Peraza, hito de las congas, “De que parte de África eres?, de Cuba”

Este legendario maestro de la tradición afrocubana, nació en Marianao, La Habana, Cuba el 30 de mayo de 1918.

Comenzó su carrera artística a principios de los años cuarenta, con conjunto del cantante Alberto Ruiz, donde interpretaba los bongoes, con un estilo poco ortodoxo e innovador. Luego en 1949 viajo a San Francisco, Estados Unidos. Se considera un innovador de la interpretación al ajustar al sonido caribe, ritmo y cadencia de otros géneros como el rock y el jazz, lo que lo hace un referente obligado para los nuevos intérpretes.

Lo que hemos denominado la mitología de la música nos cuenta que: en el año de 1939 se celebró en Nueva York una Feria Mundial donde participaban muchos países con sus representantes artísticos, el pabellón africano albergo percusionistas y músicos de grandes habilidades, en alguna oportunidad Armando Peraza manifestó una experiencia musical en una entrevista y dijo “En la Feria Mundial toqué las congas en este pabellón, al finalizar el nigeriano que me acompaño en la percusión me dijo: “Hombre, de que parte de África eres? ”le dije, Soy de Cuba”. Expresó el africano con un profundo gesto de sorpresa: “No me diga”. Tiempo después trabaja con el Conjunto Bolero, con Dámaso Pérez Prado y Paulina Álvarez. En el año de 1947, en México, se une al conjunto Clave de Oro, donde hace pareja con otro de los hitos de las congas, nos referimos a Ramón “Mongo” Santamaría, luego al año siguiente viajarían a Nueva York, como parte de la puesta en escena de la pareja de baile Pablito y Lilón.


Finalizando 1948, Peraza integraría la formación de Jazz de Slim Gaillard, con la empieza su periplo por los Estados Unidos, situación está que lo convirtió en uno de los músicos más cotizados y reconocidos de la escena neoyorquina tanto del jazz latino como el bebop.
Su virtud musical y su maestría radica en las técnicas experimentales, basadas en las compleja habilidad y velocidad, que le permite llenar el espacio de la percusión como una batería o como un conjunto de tambores, su presentación están llenas de un entorno de entretenimiento habilidad y la capacidad de obtener los mas particulares sonidos tanto en las congas como en los bongos , esto le permitió crear un lazo entre los estilos progresivos del jazz, los afrocubanos y la tendencia denominada “Cubop”. Esto se representa en sus más de cuarenta composiciones, en sus 100 discos como colaborador y sus participaciones con George Shearing, Cal Tjader, Mongo Santamaría y Carlos Santana.
En los años sesenta integra el quinteto de Cal Tjader y donde se populariza el Soul Sauce, conocido como “Guachi Guaro”, en la década de los setenta realiza una gira con Mongo Santamaría y participa en el Festival de Jazz de Montreaux, Suiza. Poco tiempo después se une a la banda de rock de Carlos Santana, en la que permanece durante 17 años, hasta los años noventa donde manifiesta su retiro de la vida artística.
Debemos destacar los siguientes temas como referentes de su obra artística: Armando’s Hideaway, Barandanga, Jackie’s mambo, Ritmo africano, Ritmo rumba. Su palmarés artístico lo convirtió en el percusionista más escuchado y con más trayectorias de giras ya que en sus sesenta años de vida artística trabajo con un sinnúmero de hitos de la música como Charlie Parker, Machito, Dizzy Gillespie, Art Tatum, Josephine Baker, Frank Zappa, Rick James, Jaco Pastorius, Aretha Franklin, representantes estos de distintos generos y estilos musicales.

Durante su larga y prolífica carrera, la cual ha abarcado más de 60 años, Armando Peraza ha tocado y grabado con íconos musicales como Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Machito, Josephine Baker, Art Tatum, Dave Brubeck, Eric Clapton, Linda Ronstadt, Frank Zappa, Rick James, Aretha Franklin y Jaco Pastorius. Se ha dicho que esta amplia y ecléctica experiencia musical han convertido a Armando Peraza en uno de los percusionistas más escuchados y de mayor trayectoria en las giras.
En enero de 2003, LP develó las nuevas Congas y Bongoes Armando Peraza Signature Series LP como tributo a este icono de la percusión. Sus 18 años con Santana, así como su revolucionario trabajo con Charlie "Bird" Parker, George Shearing y Cal Tjader ciertamente hacen que el nombre de Armando Peraza sea perfecto para una serie de congas y bongoes de calidad superior.

Videos de referencia:
http://youtu.be/JPG7KGa9fsg
http://youtu.be/Wu8NvsXgnEY
http://youtu.be/q8SnXKXEp44
http://youtu.be/Wu8NvsXgnEY
Fuentes bibliográficas:
"Diccionario Enciclopédico de la Música en Cuba". Instituto Cubano del Libro. Editorial Letras Cubanas, 2009.

Toto la Momposina, la Candela Viva de la música Colombiana.

Por: Hollman Leal


“Las mujeres de mi tierra
son del valle o la sabana
son Caribe, son Andina
son semillas del mañana (BIS)

Somos blancas
o morenas
recatadas
o coquetas “ Tomado de la Mujeres de mi tierra Toto la Momposina.


TOTO: “Palabra que en lenguas africanas significa, Mujer pequeña de corazón grande”

En los mitos antiguos existían personajes divinos y humanos que debían mantener vivo el fuego sobre todas las circunstancias para que los humanos pudiesen continuar su vida, creando historias y manteniendo la memoria presente.
Ella pertenece a una cuarta generación de músicos del corazón del departamento de Bolívar en el norte de Colombia, Sonia Bazanta Vides, nació en Talaigua, isla de Mompox (isla del rio Magdalena, el más importante del país) y que según las biografías vio la luz el 15 de enero de 1948. Su nombre artístico es resultado de sus onomatopeyas en su infancia sobre el golpe del tambor, tó, tó, cuenta ella que de niña repetía el golpe del tambor. Su formación musical la hizo en la Universidad Nacional de Colombia, donde estudio técnica vocal, Organización de Espectáculos en la Universidad de la Sorbona de Paris e historia del Bolero en Cuba.
Ella ha recorrido el mundo difundiendo las raíces musicales caribes de Colombia, el porro, la gaita, la cumbia, el chande, mapalé y muchísimos ritmos de la rica región del medio y bajo Valle del rio Magdalena. Su legado es mucho más grande que sus producciones musicales ya que sus labores arrancan en 1964, con TOTO LA MOMPOSINA Y SUS TAMBORES, pero solo hasta los años ochenta realiza sus primeras grabaciones, en el año de 1983 graba en Francia, un álbum que la da a conocer internacionalmente, luego de aparecer con el premio Nobel de Literatura Gabriel García Márquez en la entrega de su premio.
• El Tató (1980)
• Cantadora (1983)
• Colombia - Toto La Momposina Y Sus Tambores(1989)
• La Candela Viva (1993)
• Carmelina (1995)
• Pacantó (2000)
• Gaita Y Tambores (2002)
• La Bodega (2010)
• Toto la Momposina TOTAL 2 CDS
• Gaitas y Tambores Toto Remix

Resulta vasto escribir sobre una figura de la envergadura de Toto la Momposina que ha siempre ha tenido sobre su frente el signo de la originalidad, la responsabilidad sobre la creación, la difusión de la tradición, como en su infancia en 1954, en la inauguración de la Feria Internacional en Bogotá se presentó en compañía de la diva del momento Celia Cruz y fue ella la que le dijo a la señora Libia, madre de Toto, “que cuidara de esa niña que tiene una gran voz y va ser alguien muy importante” o cuando años más tarde rechazaría la propuesta de integrar la orquesta de Willie Colon en Nueva York.
Toto encarna la mujer que debe guardar el fuego de la tradición, del tambor, del sonido, de la identidad de un país, de ese sonido único y universal que identifica a una patria.