DIO, el padrino pesado del rock

Ronald James Padavona, conocido en el mundo del metál como Ronnie James DIO, jamás imagino en sus 68 años de vida que el símbolo de la mano cornuta, la corna o mano sacando cuernos, se convertiría en un icono inamovible de la cultura del metal a nivel global. Maestro de la voz y la creación de ambientes que giraron en torno a la historia medieval y la creación de un mundo propio e imaginario, definieron en él un estilo y forma de cantar, con tonos altos y muy educados que obligarían a los futuros líderes de las bandas de metal a educar su voz y buscar en los elementos clásicos herramientas que les permitieran formar su impronta musical. (10 de julio de 1942-16 de mayo de 2010) Integrante de Rainbow, Black Sabath y su propia banda DIO. Con Rainbow: Ritchie Blackmore's Rainbow (1975), Rising (1976) y Long Live Rock & Roll (1978), de su etapa en Rainbow; Con Black Sabbath: Heaven and Hell (1980), Mob Rules (1981). Con DIO: Holy Diver (1983) y The Last in Line (1984)

Larga Vida a Kraken....acústico Parte 2

continua...... Como resultado en 1995 “Kraken V,…El símbolo de la huella” aparece en las disco tiendas asumiendo un gran reto, mostrar nuevas facetas musicales no incluidas en los álbumes anteriores. Este proyecto con gran sensibilidad y musicalidad mixta, incluye sin temor instrumentos como el saxofón, la armónica, así como guitarras acústicas, coros femeninos e infantiles, rompiendo esquemas y prejuicios, propiciando nuevas posibilidades a su estilo netamente rockero. Su segundo montaje escénico musical fue para el lanzamiento oficial de este álbum, en octubre de 1995, en el Teatro Metropolitano de su ciudad natal, recinto que vuelve a ser testigo de su exquisita puesta en escena. Entre 1996 y 1998 realiza múltiples presentaciones, revitalizando sus apariciones en público con la modalidad “Kraken acústico”. Era de esperar que Elkin Ramírez trabajara en algo nuevo, pues con nueva alineación de músicos fue invitado por primera vez al festival “Rock al Parque”, en mayo de 1997, estímulo suficiente para componer y producir bajo su propio sello, “Athenea Producciones”. El álbum titulado “Una leyenda del rock”, fue lanzado en el año 1999. Y “Frágil al viento”, se convirtió en el tema que un año después encabezó las listas de establecimientos públicos, emisoras y programas rockeros en Colombia, Ecuador y Venezuela. Para 1999 llega su primera invitación al hermano país ecuatoriano, presentándose en el “Teatro del Agora” de la ciudad de Quito frente a ocho mil personas. Atravesando las proféticas barreras del siglo XXI, Kraken inicia la producción fonográfica más arriesgada hasta el momento, es así como entre los años 2000 y 2001 , el álbum “Kraken en vivo ,…Huella y camino”, es producido y lanzado al mercado nacional. Veinte temas hacen parte de esta nueva producción sin precedentes en la historia del rock en Colombia, y le dio a esta banda rockera la oportunidad de consolidar su trayectoria entre sus adeptos y detractores. El lanzamiento fue en el Teatro “Jorge Eliecer Gaitán” de la ciudad de Bogotá, el seis de abril de 2002, fue testigo del día que “El titán del rock nacional” saboreó y demostró su jerarquía con un gran concierto que sobrepasó cualquier expectativa. Para celebrar sus 20 años, la agrupación es invitada nuevamente a participar en el festival “Rock al Parque”, en noviembre de 2004 frente a 120 mil personas. Realizó su primer concierto sinfónico en el Teatro “León de Greiff” de la Universidad Nacional de Bogotá, acompañados por la orquesta filarmónica de la capital colombiana; y al día siguiente en el festival de “Rock al Parque”, en octubre 15 de 2005, abriendo a la una de la tarde frente a 50 mil personas. El álbum “Kraken filarmónico” fue editado y lanzado en diciembre de 2006, en el Coliseo de los Deportes de la ciudad de Bogotá. Con nuevos y grandes conciertos realizados en Colombia, Venezuela, Ecuador, Argentina y Estados Unidos, el posicionamiento y la credibilidad, grandes aliados que le dieron la seguridad necesaria para continuar su difícil y gratificante camino en la escena del rock latinoamericano. Un tributo nacional, otro internacional corroboran y fortalecen el gran legado de su obra. Kraken después de tres años requiere ensayos para la composición, grabación y producción de algo nuevo. Elkin Ramírez con nuevos integrantes reclutados desde el 2004, son quienes asumen el compromiso artístico y musical para cristalizar un álbum inédito. “Humana deshumanización”, es el título que encabeza la nueva producción musical de Kraken para este 2009, denominado el año del Titán. Con un sonido contemporáneo y vanguardista al estilo de la banda de rock duro progresivo, once temas que propician una nueva etapa y un inigualable precedente en la historia del rock nacional y latinoamericano. Con 25 años de trayectoria, la fortaleza del espíritu de Kraken le permite la aceptación y la vigencia innegable en una escena que

Larga vida a Kraken.... acústico Parte 1

El pasado fin de semana, exactamente el día domingo 14 de agosto de 2011, tuvimos la oportunidad de presenciar un espectáculo sonoro, sin igual la presentación de Kraken y su líder Elkin Ramírez, rodeado de guitarra y teclado, enmarcados en un entorno acústico, en lugar “El Faro”, en un entorno dedicado al Rock and Roll, afiches, guitarras, baterías y un público ávido de escuchar la potente voz del líder de la mítica banda colombiana. El evento inicio a las 11:20 p.m con una recopilación de temas de todos sus álbumes desde las clásicas “Aves Negras”, “Todo hombre es una historia”, hasta las recientes “Desde mi exilio” de su álbum “Humana Deshumanización”. Una experiencia única de un músico que se de a su público y que tiene presente el respecto por cada una de las personas que le escuchan y que le han seguido durante los 27 años de carrera músical. La presentación termino a la 1:45 a.m, dando gusto a todos sus seguidores y con la satisfacción del deber cumplido, larga vida a Kraken, comparto con ustedes este articulo de la página del grupo http://www.krakencolombia.net Kraken, legendaria agrupación de rock duro progresivo, nace en 1984 en la ciudad de Medellín -Colombia-. La agrupación netamente rockera inicia su carrera interpretando temas de grandes bandas internacionales del momento de hard rock y heavy metal como Judas Priest, Deep Purple, Dio, Def Leppard, entre muchos otros. Entre 1986 y 1987 lanza su primer sencillo con temas de su autoría y composición, titulados: “Todo hombre es una historia”, “Muere libre”. En octubre de 1987 logra incursionar con su primer álbum titulado “Kraken”, el cual contiene ocho canciones. Con gran aceptación en la escena local y nacional obtiene la atención de los medios especializados en dicho género, y realiza varias presentaciones en diferentes ciudades de Colombia. Para 1989 con ocho temas nuevos, su segundo álbum titulado “Kraken II”, y el tema “Vestido de cristal” logra su primer número uno en las listas de emisoras juveniles de su país natal, traspasando fronteras, llegando a países como España, Estados Unidos, Holanda y Japón. Llamado por sus múltiples seguidores “El titán del rock nacional”. En 1990 la banda Kraken vuelve a sorprender con su tercer álbum, una larga duración (L.P) que también fue editado en formato CD, convirtiéndolo en el primer grupo rockero colombiano que utilizó este formato con una presentación impecable. En sus giras incluye su primera visita a Venezuela, presentándose con gran aceptación en el Poliedro de Caracas, en mayo de 1991. En 1992, Elkin Ramírez (vocalista y líder de Kraken) convoca una nueva nómina de músicos para la composición y grabación de un nuevo álbum, que incluye en sus diez tracks un tópico poético y social alusivo a las culturas mesoamericanas más representativas, la Maya, Inca y Azteca, incluyendo además la participación de instrumentos nativos latinoamericanos. “Kraken IV,…Piel de cobre” es el título de esta producción que se estrena a finales de 1993 con su primer montaje escénico musical, el cual se llevó a cabo el primero de diciembre de ese mismo año, en el Teatro Metropolitano de la ciudad de Medellín, frente a 1.900 asistentes. “Lenguaje de mi piel” se convirtió en su segundo gran éxito nacional e internacional logrando irrumpir en las listas del Chard Wold latinoamericano, manteniéndose por tres semanas consecutivas entre los diez primeros lugares. Nuevos músicos continuaban ingresando a ser parte de una agrupación que hasta entonces ya se había convertido en un proyecto artístico, pues los aportes musicales de cada músico día tras día y año tras año engrandecían el concepto de Kraken.

Ponencia Ritmos de la Salsa Parte 5

En el baile del son pesa mucho la cadencia coreográfica de pareja, mientras que en la pachanga, urbana y callejera ella, pesa más el afinque solitario del bailador ¡aunque baile en pareja!, es la soledad compartida entre dos, como el matrimonio. Algo de este rasgo urbano y sórdido se intuye en una pieza que compuso Rubén Blades, en compañía de Jerry Masucci y Louie Ramírez, un tema salsero que, sin ser una pachanga, rinde un sutil homenaje a ésta. Se trata del célebre Juan Pachanga: "Son las cinco e la mañana, ya amanece, Juan Pachanga, bien vestido, aparece. Todos en El Barrio están descansando y Juan Pachanga, en silencio, va pensando, que aunque su vida es fiesta y ron, noche y rumba, su plante es falso igual que aquel amor que lo engañó." ¡Ay mi madre! Aquí se evidencia el acento urbano de la salsa, el choque social que la hace específica y que la diferencia de otras expresiones musicales del Caribe. El propio carácter de la pachanga fue también su extremaunción. Murió con sólo cuatro años de vida, pues estaba enferma de rabia y su ritmo tenía una temperatura superior a la soportable. Afortunadamente en música, cuando se habla de muerte, se alude simplemente a muerte productiva, pues aunque mueran los músicos, ahí quedan sus grabaciones para la historia y el goce. Joe Quijano fue premonitorio en uno de sus temas: "Ya llegó, ya llegó, el ritmo nacional que siguió al chachachá y le llaman pachanga. Negrita, gózalo ahora, que pronto llega otro ritmo. Negrita, gózalo ahora, y quién sabe si este ritmo durará, y quién sabe si este ritmo durará." ¡Clavao! La pachanga vibró entre 1960 y 1964, pero su golpe ha dejado huellas imborrables en los pachangueros bravos que aún gozan con los discos de Joe Cuba, Johnny Pachecco, Joe Quijano, Tito Rodríguez, Charlie Palmieri, Charlie Fox, La Plata Sextet, La Playa Sextet, Belisario López, Ray Barretto y Lou Pérez, entre otros. La pachanga es a la salsa lo que la milonga al tango. Los salseros bravos son, antes que nada, pachangueros, y los tangueros de nación, antes que nada, son milongueros. Entre pachanguita y pachanguita, de forma inconsciente, como suele ocurrir en todos los hechos históricos, los nuyoricans empezaron a producir una música que, aunque hablaba en nombre de la tradición caribeña, tenía inflexiones tanto del inglés como del rock, el R&B y el jazz. Fuentes Referenciales: Romero, enrique. SALSA el orgullo del barrio Salsa, crónica de la música del Caribe urbano por Cesar Miguel Rondón Betancur Álvarez, Fabio. Sin clave y bongó no hay son Orovio, Helio. Diccionario de la música cubana Ortiz, Fernando. La música afrocubana Rodríguez, Lil. Bailando en la casa del trompo Discos Fuentes. La discoteca del siglo MANUEL ANTONIO RODRÍGUEZ A . (Músico pedagogo) CNTACTOS: marmusico@hotmail.com - Bogotá Colombia www.musicalafrolatino.com Boogaloo El boogaloo (procedente de la terminología boogie-woogie) es un ritmo latino nacido de la fusión de ritmos Afro Cubanos y Soul Estadounidense, cantado tanto en inglés como en español. Se desarrolló en Estados Unidos entre 1963 y 1969, creado por José Calderón y se hizo famoso en todo el mundo con el pianista Pete Rodríguez, con el pianista Ricardo Ray, con la orquesta de Joe Cuba y su sexteto con la canción «Bang Bang»; y con La Lupe, cantante. Uno de los boogaloo que subió a las listas de éxitos fue el «Watusi» de Ray Barretto, que después fue utilizado en la banda sonora de la película J.F.K. Como ocurrió con la pachanga y después de él con la salsa, sirvió como seña de identidad de los latinos hasta que fue desplazado por otro tipo de música, como la de Mario Allison o Miriam Makeba. Hoy en día el boogaloo se mantiene sólo por bailarines profesionales en distintos espectáculos. Sin embargo, el Boogaloo compuesto en los sesenta es todavía frecuentemente escuchado en las fiestas de corte mod, también llamadas allnighters (en ellas, los DJs pinchan exclusivamente vinilos de éste y otros tipos de música sixties, como freakbeat o northern soul). Para poder hacerse una idea, el tema «Pow-Wow» de Manny Corchado es uno de los más apreciados y bailados en este circuito.[cita requerida] La Orquesta El Gran Combo De Puerto Rico con Andy Montañez también tuvo sus éxitos en el caribe con las canciones Boogaloo Boogaloo del Gran Combo, Chua Chua Boogaloo, entre otras. Su forma de bailar en esos entonces era muy simple, solo se movian los pies (pisa con izq. y talon con der.) conjuntamente con los brazos y el cuerpo haciendo movimiento leve arriba y abajo. _________________________________________________________________________ El bolero es un género musical originario de Cuba y desarrollado en varios países hispanoamericanos, como México, República Dominicana, Puerto Rico, Colombia, Ecuador, Perú, Chile y Venezuela, muy popular en todos los países hispanoamericanos. RaícesAl parecer, las raíces del bolero están en los compases de la contradanza del siglo XVIII. También son identificables en el género algunos elementos rítmicos en formas de composición que aparecieron en el folclore cubano durante el siglo XIX, como el danzón y la habanera. Precisamente esta última presenta una gran afinidad rítmica con el bolero. En 1793 ya se reporta la existencia de los primeros cantantes que, como Javier Cunha y Nicolás Capouya (éste último no dejó composiciones escritas), componían canciones con ciertas similitudes con el bolero, tanto musicales como temáticas. Orígenes e historiaAunque existen diversas teorías sobre el origen del bolero, alguna de las cuales señala a Europa como la cuna del género, la práctica señala a Cuba como la indudable creadora de este género musical, que más tarde se extendió por América 1.- El danzón, el son, mambo y el chachachá. (Ritmos Cubanos) 2.- La plena, la bomba, la guaracha y el guaguanco. (Ritmos de Puerto Rico) 3.- Son montuno, pachanga, bogaloo y la descarga. (Ritmos de New York)

Ponencia Ritmos de la Salsa Parte 4

El son montuno, al igual que el diablo se destacan por ser complejos y originales. Es una mezcla de música europea y africana que crea un nuevo lenguaje netamente cubano. Estos ritmos típicos cubanos influenciarían más tarde el desarrollo otros ritmos como el mambo y hasta el jazz. El son montuno pasó a ser la base de toda la música popular cubana, el mambo, la salsa y la timba . Además de contribuyó a la formación de la cultura e identidad cubana en el exterior, en ciudades como Nueva York y Miami. En el son montuno destaca la gran influencia cultural africana que existe hoy en Cuba. Del danzón al son , al mambo y la salsa Este artículo o sección necesita referencias que aparezcan en una publicación acreditada, como revistas especializadas, monografías, prensa diaria o páginas de Internet fidedignas. Puedes añadirlas así o avisar al autor principal del artículo en su página de discusión pegando: {{subst:Aviso referencias|Son montuno}} ~~~~ El son montuno, ritmo emocionante para aquel que goza del baile, pasó de ser una parte de la canción (en un principio el son era la parte final del danzón), a ser canción completa. Su esencia primaria es africana por ser creado por negros esclavos. Continuó su evolución en manos de grandes músicos cubanos, como el Trio Matamoros y luego Arsenio Rodríguez quien lo transformará del todo, incluyéndole la tumbadora y trompetas y proyectandolo entonces a la ciudad de Nueva York. Allí sus composiciones enfatizan los elementos esencialmente congoleses (del congo africano) de donde eran sus raíces. Ya luego en la ciudad de Nueva York, y eventualmente en manos de los nuyoricans (hijos de puertorriqueños) o boricuas naturales de la isla de Puerto Rico, se transformará en la Salsa Brava y luego en Salsa Romántica, fusionándole estos (los boricuas) otros elementos musicales foraneos, norteamericanos y también como era lógico pensar, del mismo folclor puertorriqueño. Aunque Pérez Prado con su Mambo # 5 fue conocido como el "rey del mambo", este fue a su vez influenciado por el diablo del son montuno de Arsenio. El Mambo, en su forma, es un son montuno desde el comienzo. Por otro lado, la salsa no parece surgir como evolución directa del mambo sino estar emparentado más bien con la herencia montuna presente en las canciones de Arsenio y la Sonora Matancera una generación antes del boom del Mambo en Nueva York. Como nota curiosa, entre Arsenio y la Sonora existío una "rivalidad", a éste se le presentaba como Negro y Macho y a la Sonora Matancera como blanca y femenina. Estas características no tienen, obviamente, nada que ver con el color ni el género de los músicos sino con la forma en que su música era percibida por su audiencia. Controversia con la Salsa y la música cubanaLa Salsa no se construyó solamente sobre los ritmos de Cuba. Los músicos norteamericanos aportaron las progresiones tipo jazz que se iban dando paralelamente en el Mambo y otros ritmos que definieron este estilo musical bailable. Algunos autores plantean que en Cuba nunca se hizo SALSA como tal, ya que en la isla se tenían unos ritmos definidos y con su nombre, tales como: Son Montuno, Guaguanco, Cha Cha Cha, Guajira y otros. Según esta teoría, los cubanos por más de 20 años rechazaron la salsa y su fusión de ritmos la cual veían como una "amenaza". En la Cuba revolucionaria en cierto momento llegó a establecerse una prohibición radial del gobierno cubano contra la Salsa y/o ritmos tropicales producidos en los Estados Unidos. En una determinada época fue restringida toda aquella música extranjera y de corte y estilo norteamericano. A consecuencia de eso, muchos artistas cubanos radicados en el extranjero tuvieron una nula difusión por las emisoras oficiales, como los casos de Celia Cruz, Frank "Machito" Grillo, Rolando Laserie, La Sonora Matancera y hasta Pérez Prado. Ya desde los años 1950's , en Cuba no se reconocía la llamada música cubana hecha en el extranjero como cubana. Se consideraba como un producto comercial norteamericano que no tenía nada que ver con su música típica o tradicional. Lo anteriormente expuesto plantea que la música cubana se diferenciaba claramente de lo que era música comercial afroantillana hecha al estilo norteamericano tanto en lo musical como en los ritmos bailables, sobre todo, a partir de 1959. ____________________________________________ Chachachá . El chachachá es un ritmo originario de Cuba creado a partir del danzón por el compositor y violinista habanero Enrique Jorrín en 1953. La influencia del danzón eran interpretados tan solo por instrumentos, mientras que Jorrín le introdujo las voces de los músicos cantando a coro para darle más potencia. Este estilo gustó a los que bailaban, que ahora podían improvisar más e inventaron nuevas figuras. Durante sus primeros años como compositor, Jorrín sólo componía danzones, respetando sus cánones musicales, pero poco a poco fue modificando algunas de sus partes. Estos fragmentos modificados gustaron tanto al público que decidió independizarlos del danzón hasta llegar a lo que él llamó cha-cha-cha. Pasos Básicos del Chachachá[editar] La charangaLa instrumentación del chachachá originalmente fue tomada del danzón, que en Cuba se toca con una agrupación musical llamada charanga francesa. Ésta consistía en la percusión, el piano, el bajo, la flauta y una sección de cuerdas. El auge del chachachá promovió este tipo de agrupación, que ya estaba perdiendo adeptos. Los grupos más importantes que lo interpretaron fueron la Orquesta Aragón, la Orquesta América, Los Cariñosos y la Orquesta de Enrique Jorrín. En esos momentos la formación tradicional de la charanga es la que predomina entre las orquestas populares cubanas. En [[cehegin ]], Gilberto Valdez forma la primera Charanga de los EE. UU. que serviría de influencia fundamental para las posteriores formaciones; pero en la década de 1970 comenzó a decaer. [editar] Discografía recomenda da La engañadora de Enrique Jorrín / Grabada el 9 de marzo de 1953, no. 1536 Panart, disco de pasta de 78 rpm PACHANGA Es bueno aclarar que la charanga es un formato de orquesta, compuesto por dos violines, güiro, flauta, timbal, piano, tumbadora, contrabajo y dos voces al unísono. Por su parte, la pachanga identifica un tipo de baile y un ritmo. A finales de la década del cincuenta, cuando ya se había agotado el chachachá de Enrique jorrín, nació en Cuba el ritmo de la pachanga. Fue una creación del cubano Eduardo Davison, que tuvo mayor éxito en su tierra natal, a pesar de que conjuntos como el de Roberto Faz, el Conjunto Casino y La Sonora Matancera, lo difundieran, incluso en el cine. En Cuba, la pachanga no logró una alta trascendencia o aceptación, ya que el ambiente musical estaba dominado por ritmos como la guaracha, el bolero y el mambo. Desde el punto de vista de su estructura musical, existe una gran diferencia entre el ritmo creado por Davison y el ritmo impuesto en Nueva York, años más tarde, por las orquestas charangueras. La pachanga surgió como una combinación de la plena y el merengue. Davison la musicalizó, brindando un mayor énfasis a las trompetas y a la percusión. Las orquestas de Nueva York, al llevarla a su formato de charanga, le brindaron un sonido totalmente distinto al de su origen. El formato instrumental de las orquestas charangueras de Nueva York era el mismo que se utilizaba en Cuba, a principios de los años veintes y treintas, por las orquestas danzoneras; en Nueva York se le dio un toque distintivo al sonido, se hizo más rápido y sincopado. El boom alcanzado por las orquestas charangueras fue tal que, según lo mencionó el propio Palmieri, llegaron a existir en la ciudad más de 60 agrupaciones de este tipo. Tito Rodríguez, cuya orquesta funcionaba como una big band, decidió unirse al ritmo de la pachanga, al igual que Frank Pérez Grillo "Machito" y Tito Puente, tres "Reyes del Palladium". De otro lado, Ray Barreto con La Moderna y Eddie Palmieri con el sonido característico de los trombones y la flauta de 'su orquesta La Perfecta, imprimieron una gran fuerza a este ritmo que comenzaba a nacer. También cambiaron su estilo al nuevo formato, Mongo Santa María, quien trabajaba con Cal Tjader en la costa oeste de Los Estados Unidos, haciendo jazz Latino; juanucho López, Orlando Marín, el sexteto La Playa, que introduce la guitarra eléctrica en este ritmo, y Gilberto Cruz con su toque distintivo del vibráfono. Otros que se unieron a este género fueron los veteranos Oscar Boufartique, Belisario López, José Antonio Fajardo, Alfredo Valdés y su hijo Alfredito; Joe Quijano, quien tenía un estilo entre Sonora Matancera y el nuevo ritmo impulsado y Francisco Aguabella, quien influenció, a su vez, a norteamericanos como el pianista Charles Fox, artista que le añade nuevos giros rítmicos a la pachanga. Según Charlie Palmieri, en entrevista concedida, en 1982, La Charanga Broadway de los hermanos Rudy y Kelvin Zervigon "acabó el negocio al reducir ostensiblemente las tarifas establecidas por los consagrados del ritmo. Ya le hemos dado el correspondiente crédito al creador de este ritmo, pero, aunque parezca un galimatías, la pachanga es un ritmo neoyorquino, el segundo gran ritmo, después del cubop, desarrollado por los latinos en La Gran Manzana. "La pachanga sería el puente entre la vieja guardia y el nuevo sonido de Nueva York. Porque fue en la estructura orquestal de la charanga donde se inició la transformación de la música cubana fuera de la Isla. La orquestación básica del piano, dos violines, flauta, timbal, tumbadora y güiro, que caracterizaba a la charanga cubana, se modificó con el sonido de los trombones, las trompetas y el saxofón, que entraron en escena como remanente de las big bans en decadencia. Eddie Palmieri con 'La Perfecta', y Mon Rivera, cada uno por su lado, habían reforzado la melodía con los trombones, que ahora sonaban 'duro' de principio a fin." La transformación del viejo sonido cubano también vino dada por la incorporación de la guitarra eléctrica (La Playa Sextet), el vibráfono (Joe Cuba Sextet) y el bajo eléctrico (Bobby Valentín), tres instrumentos que, hasta ese momento, habían sido ajenos a la tradición músical caribeña, y fueron agregados a la nueva sonoridad sin complejos y con todos los hierros. La introducción de la guitarra eléctrica, el vibráfono y el bajo eléctrico, homologaba y homogeneizaba a la música latina con el rack y el jazz o, para decirlo en términos empresariales, la hacían más competitiva y moderna. La pachanga se convirtió en la locura de la juventud neoyorquina, incluso más allá de El Barrio. Si el son es lo más sublime para el alma divertir, la pachanga es el ritmo más excitante que el cuerpo puede sentir.

Ponencia Ritmos de la Salsa. Parte 3

Son montuno es un estilo de música cubana. El son montuno sentó las bases para el desarrollo de lo que a partir de los años 70 se denominó comercialmente como Salsa. A pesar de que la salsa es una mezcla de ritmos cubanos, muchos dicen que se basa principalmente en el son montuno de Arsenio Rodríguez. Arsenio se inspiró en el guaguancó y acentuó su orquestación mediante el uso de trompetas , del tres y la introducción de nuevos instrumentos como la conga y el piano. También Benny Moré le añadió nuevas influencias al son montuno, principalmente de elementos provenientes de la guaracha y el bolero. Origen del sonFernando Ortiz considera como el primer son conocido al Son de la Ma´Teodora escrito hacia 1560 por las hermanas Micaela y Teodora Ginés, dos negras libertas originarias de Santo Domingo. Según autores, el son comenzó a cultivarse en varios países de la cuenca del mar Caribe en el segundo cuarto siglo XIX. Da cuenta la historia que allá para los inicios de los 1800's los negros bailaban por las calles del viejo San Juan al "Son" de sus atabales.[cita requerida] lo que es indiscutiblemente es que el son es caribeño y como estilo musical se desarrolló especialmente en la isla de Cuba. El "Son cubano" tuvo sus inicios hacia el este "oriente" de Cuba a mediados del 1800. El Son presenta en su estructura, elementos procedentes de las músicas africanas (Bantú) y españolas, confluyendo en él giros rítmicos, estribillos, modos percutivos, entonaciones y sonoridades de las cuerdas pulsadas que denuncian sus dos fuentes originarias (España y Africa). Haití en el origen del son montuno Nené Manfugás fue un negro tresero de origen haitiano que llevó los primeros sones montunos a los carnavales de Santiago de Cuba en 1892. Hay que notar que llevaba su música con un instrumento originalmente de cuerdas, cuya tradición es española. A mediados del siglo 18 hubo un gran éxodo de haitianos al oriente cubano, en especial hacia Guantanamo y Santiago a donde llegaron alrededor de unos 500,000. La mayoría se fue a trabajar a las montañas de la Sierra Maestra en los cafetales de sus amos franceses. En las siguientes décadas la música religiosa haitiana fue cubanizada. La música haitiana no es totalmente africana, ya que los haitianos llegaron a Cuba con sus amos que eran franceses y la música que hizo el haitiano era una mezcla de la contradanza francesa con influencias africana y española. A muchos de los esclavos haitianos, llevados al oriente cubano por sus amos, se les debe el enriquecimiento y transformación en la cultura y la economía que se originara en esta región en la mencionada época. Algunos autores sostienen que no es posible hablar de cubanía, sobre todo en Guantánamo, Santiago de Cuba, Camaguey y Ciego de Ávila, sin tener en cuenta la huella haitiana. El gusto por la taza de café, que tanto identifica al cubano, esta es una herencia haitiana, como el congrí con su identidad de la región oriental, o los platos del ajiaco, las carnes asadas o el grillé, así como las frituras de bacalao . Sin dudas todo ello es un universo de transculturación de valiosa presencia haitiana en la historiografía cubana.[cita requerida] El sistema de plantación cafetalero coincidente con la emigración haitiana se hizo muy fuerte en el territorio oriental de la isla de Cuba y trajo consigo, de forma muy particular, la tradición danzaria conocida como la Tumba Francesa, con vigencia en la actualidad mediante tres sociedades: la Caridad de Oriente, en Santiago de Cuba; la Pompadour, en Guantánamo; y La Bejuco, en Ságua de Tánamo. Los conocedores aseguran que los antecedentes de la rumba y el guaguancó cubanos se encuentran precisamente en la Tumba Francesa y al Son viniendo del Changui. Son montuno, de Oriente a La Habana Este artículo o sección necesita referencias que aparezcan en una publicación acreditada, como revistas especializadas, monografías, prensa diaria o páginas de Internet fidedignas. Puedes añadirlas así o avisar al autor principal del artículo en su página de discusión pegando: {{subst:Aviso referencias|Son montuno}} ~~~~ El son montuno quiere decir literalmente son de las montañas o del monte. El son cubano nace originalmente en la parte oriental de Cuba donde la Sierra Maestra y la ciudad de Santiago se encuentran y fue transportado desde oriente hacia la parte occidental de Cuba, posiblemente por el traslado de los soldados durante la guerra de independencia, llegando así a La Habana. Una vez en la capital, el son es adoptado como música en los barrios, especialmente en los solares. Los solares eran casas enormes o mansiones abandonadas, originalmente ocupadas por españoles que vivían ahí antes de la independencia de la isla. Después pasaron a ser ocupados por afro-cubanos, en su mayoría indigentes originarios del Congo o de otras partes del oeste de África. Estos solares eran ocupados por varias familias que vivían en contacto absoluto ya que hasta compartían un único baño que existía en la casa. En los solares, la rumba era el ritmo más popular. Dentro de estos barrios se practicaban religiones con influencia Africana como la santería, el palo monte y el Abakuá. Estas religiones no son exclusivamente africanas , son originalmente cubanas fruto de un sincretismo con elementos europeos. La relación que hay entre la música y el sincretismo religioso afrocubano es muy interesante. Desarrollo del Son MontunoAl llegar el son a La Habana, y a otras provincias de alrededor, como Matanzas éste fue influenciado por agrupaciones como los sextetos y los septetos, por músicos o por la gente pobre que vivían en los solares. Otro elemento muy importante en el desarrollo del son lo constituyó la aparición de las compañías discográficas. Arsenio Rodríguez, también llamado el ciego maravilloso desarrolló el son montuno. Lo transformó en algo completamente original e único. El son montuno entonces comienza a denominarse como un género separado del son. En el son montuno la idea de la repetición, a la vez que la intensidad de ejecución hace que este sea diferente a los demás. En el son montuno se juega mucho con la improvisación armoniosa que logran conseguir los músicos. Después de la liberación de los tambores en Cuba, la música cubana pasa a ser cada vez más influenciada por aspectos africanos. Con el tiempo el son montuno desarrolló un momento de la canción que Arsenio denominó como diablo. El diablo viene a ser, por tanto, como una explosión, otra parte intensa de la canción. La banda en conjunto y armonía se destaca haciendo improvisaciones y convirtiendo al diablo en la parte más emocionante del tema musical. Esta parte era la que todos querían escuchar y bailar una y otra vez. El diablo demuestra talento, individualismo y armonía al improvisar.

Ponencia en Salsa a la noche. PARTE 2

EL SON El son cubano es un género musical originario del este de Cuba, popularmente conocida como región oriental u oriente cubano (Comprende las provincias de Guantánamo, Santiago de Cuba, Holguín, Las Tunas y Granma). Los sones más antiguos conocidos datan del siglo XVI como el Son de la Má Teodora, posiblemente de 1562[1] interpretado por dos hermanas dominicanas, Micaela y Teodora Ginés. Si bien presenta elementos de música bantú y española, el son en su estructura surge en Guantánamo, Baracoa, Manzanillo y Santiago de Cuba[2] a finales del siglo XIX. En 1892, el tresista de origen haitiano Nené Manfugás lo lleva del monte a los carnavales de Santiago de Cuba. [3] Posiblemente el son llegó de Oriente a La Habana en 1909, traído por los soldados del ejército permanente. En el primer cuarto del siglo XX, el "Trío Oriental" (de hecho un sexteto y posteriormente llamado Sexteto Habanero [4] ) había llevado el género a La Habana, estableciendo la forma de las bandas de son en lo adelante. Sexteto Habanero. Con el establecimiento en la década de 1920 de la radiodifusión comercial, comenzó el auge y popularización del son, siendo el Septeto Nacional de Ignacio Piñeiro, uno de los principales representantes de esta época. Piñeiro es el creador de Échale salsita, probablemente la primera vez que se usó la palabra salsa para denominar a la música caribeña. El son evolucionó dando origen a otros géneros (principalmente la salsa), sin embargo es aún interpretado por agrupaciones tradicionales en Cuba, República Dominicana, Puerto Rico, Venezuela y Colombia. _________________________________________________ El mambo es un baile originario de Cuba. La música de mambo fue originada en La Habana del año 1930 por Cachao, que por entonces formaba parte de la orquesta de Arcaño y sus Maravillas. Luego Dámaso Pérez Prado y Beny Moré la hicieron popular en La Ciudad de México, y luego en el resto del mundo a mediados de la década de los 1950. El mambo se desarrolla originalmente a partir del danzón, ritmo que por esa época predominaba en el panorama musical cubano, pero pronto evoluciona hacia un tempo más acelerado. La interdependencia creciente entre músicos y bailadores hizo posible que la percusión fuera adquiriendo poco a poco un papel cada vez más predominante. De igual forma, los arreglos orquestales de Dámaso Pérez Prado, que dirigía una orquesta de formato jazz-band, le aportaron un sonoridad nueva, sin precedentes hasta entonces, donde se fusionaban elementos del jazz norteamericanos en los metales y los ritmos afro-cubanos en la percusión. El mambo se baila siguiendo un ritmo sincopado, mezcla de música africana, hispanoamericana y jazz. Se marcan los cuatro tiempos, con movimientos fuertes y frecuentes flexiones de las articulaciones de pies y brazos. Muchos pasos tienen una fuerte entidad africana, en el sentido expresivo. Este es un baile "fuerte" que requiere velocidad de pies y mucha energía. En la actualidad es uno de los ritmos latinos que se enseñan en clases de baile de salón, aunque en muchas escuelas tiende a confundirsele con la salsa. El mambo en la Ciudad de México Dámaso Pérez Prado y Beny Moré vivieron en la Ciudad de México, en donde el mambo se volvió muy popular a finales de los años cuarenta. A Pérez prado se le comienza a llamar El Rey del Mambo y aparece en diversas películas mexicanas. El compuso muchas canciones con letras relacionadas a la Ciudad de México, como "Dengue Universitario" y "Mambo Universitario" dedicada a la UNAM; "Guada Guadalupe", "Lupita" y "Norma la de Guadalajara" inspiradas por mujeres mexicanas; y el "Mambo del Rultero", dedicada a los Ruleteros de los barrios de la Ciudad. También arregló canciones Mexicanas populares como,"María Bonita", "Bésame Mucho", "La Raspa", "Angelitos Negros" y "Granada (canción)". Pérez Prado deja la ciudad por un tiempo, para grabar en Nueva York y regresa a la Ciudad de México en donde muere el 14 de septiembre de 1989. Beny Moré compuso muy pocos mambos, pero destaca "Bonito y Sabroso", en donde dice "pero que bonito y sabroso bailan el mambo los mexicanos" y afirma que "México y La Habana, son dos ciudades que son como hermanas". El Mambo como Música pertenece a Orestes López, quien inscribió en 1938 "El Mambo", tomando del Danzón la parte más rítmica, llamada por los Músicos cubanos "el mambo del danzón". Orestes López falleció poco después de tuberculosis. Orestes López era el hermano de Cachao López, otro excelente músico, a quien por error le atribuyen la creación de la música del Mambo. (Helio Orovio, Diccionario de la Música Cubana) Difusión a nivel mundial e impacto en tecnologíaEl mambo fue el primer ritmo en la historia de la música tropical latina que incursionó en mercados distintos al de habla hispana, cuyos frutos años más tarde serían cosechados por otros ritmos como el chachachá, la salsa, la cumbia y un largo etcétera. La música de Pérez Prado se comercializó en todo el continente americano y en la Europa de la post-guerra, sin embargo tuvo un gran éxito como novedad musical en el medio oriente, India y sureste de Asia, particularmente en el Japón. Esta música hizo que muchos asiduos jóvenes nipones se iniciaran en el baile en centros de reunión de finales de los 50's, por lo que demandaban llevar ésa música tropical latina popular a cualquier parte, por lo que la gran fábrica tecnológica Sony desarrolló el primer radio portátil de Amplitud modulada operado por baterías aprovechando la invención de los transistores de Texas Instruments y AT&T, utilizando la música de Mambo como plataforma de venta ya que podía sintonizar las radios locales, vendió millones de piezas en el Japón y posteriormente exportó dichos predecesores de los walkman al resto del mundo, haciendo también que, se editaran diversos LP en discográficas japonesas.

RITMOS: Origen de la Salsa, Ponencia en Salsa a la Noche. Parte 1

Dentro de los fenómenos culturales del siglo XX que se desarrollaron en los entornos de las ciudades que crecían desmedidamente por el auge de la industria moderna. Aparecieron como luces entre para la historia y el mundo entonces como nacieron el Jazz, el Tango, El Rock y la Salsa, es de destacar que todos ellos tuvieron un origen rural, que se modifico con el contexto de los nuevos afanes que traía la vida moderna. El Caribe es uno solo y comienza en el Golfo de México, Luisiana, Mississippi, las Antillas Mayores y Menores, Centro América, Colombia, Venezuela, Brasil. El verdadero origen del sonido caribeño esta en África, pero solo cuando se plantan estos sonidos en tierra americana, se funden con lo indígena y lo europeo, anglosajón y latino. ____________________________________ Danzón El danzón cubano es un ritmo bailable rápido de origen cubano derivado de la danza criolla creado por el compositor matancero Miguel Failde y Pérez en 1879. Forma parte de la música tradicional de Cuba y México. El nombre de este género musical no es más que el aumentativo de danza, aquel baile colectivo de figuras. En la segunda mitad del siglo XIX la danza criolla estaba muy de moda; se cristalizó entre fines del siglo XIX y principios del XX. En Cuba se interpreta con mayoría de instrumentos de viento, con piano, flauta, violines y percusión cubana. En México se agregaron saxofones a las orquestas de danzón - denominadas danzoneras -, y también el género es interpretado por mariachis y marimbas. El nuevo ritmo produjo en los bailadores un sorprendente impacto. Las alturas de Simpson fue uno de los danzones más escuchados. En las noches se veían obligados los músicos a repetirla a petición de los danzantes. En la primera y segunda década del siglo XX el danzón comenzó a perfilar su forma definitiva e incorporar elementos de otros ritmos y géneros cubanos, principalmente del son. El musicólogo Helio Orovio en uno de sus textos nos dice que "En el 1910, José Urfé, compositor, director y clarinetista, revoluciona el danzón cubano al insertar, en su parte final, un montuno de son al estilo de los figurados de los treseros orientales". Este danzón fue titulado "El bombín de Barreto". Surgieron creadores como Raimundo Valenzuela, Enrique Peña, Chencho Cruz, Corbacho, Felipe Valdés, Antonio María Romeu, Eliseo Grenet, Ricardo Reverón y Pablo O'Farrill, que con sus aportes mejoraron el aspecto interpretativo. Comenzando el segundo cuarto del siglo XX, se desarrollaron en Cuba excelentes orquestas en la interpretación de danzones como la de Antonio María Romeu, en la que tuvo una destacada participación como cantante Barbarito Díez. Fuera de alguna innovación de tipo instrumental el danzón no sufrió alteraciones hasta que el matancero Aniceto Díaz mezcló varios elementos del mismo con otros del son y creó su danzonete en 1929. Siguiendo con la influencia del son, Orestes López, contrabajista de la orquesta "Arcaño y sus Maravillas", crea su "Danzón Mambo" en 1939 al que le incorporó al final del danzón un motivo sincopado como el del "Tres" en el son dando origen a un nuevo estilo rítmico en el danzón que alcanza su mejor definición en el mambo, de Peréz Prado y el cha-cha-chá de Enrique Jorrín. El son montuno, ritmo que surge en la zona oriental de Cuba y que sustituyó paulatinamente la popularidad del danzón entre los bailadores, generó tal aceptación al llegar en la primera década del siglo XX a La Habana que con los años se convirtió en el género musical cubano más influyente de ese siglo en el ámbito nacional e internacional, dejando al danzón y su baile como "música del pasado". Con el surgimiento del danzonete, el cha-cha-chá y el mambo, el danzón entró en decadencia.

¿Por que Duermen cuando deben estar de pie?, Señor Presidente.

Aunque parezca una publicación de tipo político, me estoy refiriendo al cantante y compositor dominicano “Lenin Francisco Domingo Cerda”, quien nació el 15 de septiembre de 1945 y murió Nueva York el 1 de marzo de 1993. Se conoce artísticamente como Frankie Dante. Su influencia inicial está basada en el fuerte sonido de los trombones de Mon Rivera y Eddie Palmieri y el acento vocal de Ismael Quintana, todo esto con un matiz de influencia social, económica y política del latino que enfrenta su realidad en el Nueva York de los años 60 y 70. La guerra fue su eje temático en varias oportunidades en sus composiciones, de ahí el título de este articulo que hacer referencia a dos temas fundamentales, “Paz” y “Si yo fuera presidente”, estos temas aparecieron en la primera mitad de la década del 70 cuando grabo 3 Lps, con otros temas destacados en los clubes de baile y reconocidos por los melómanos como “Venceremos”, “Chupa el pirulí”, “Me siento Guajiro”. Frankie Dante se rodeo de los mejores músicos de la esfera neoyorquina, Harry Viggiano, Milton Cardona, Charlie Palmieri, Jerry Gonzalez, Ira Hersher, Ismael Quintana y muchos más. Fue entonces como en 1975 Larry Harlow, le ayudo a conformar una selección de músicos notables con un nivel de creatividad elevado entorno a su orquesta la Flamboyan, Ismael Miranda, Pete “El Conde” Rodríguez, Yayo “El Indio” y Chivirico Davila se involucraron en el emblemático tema "Por que adore", participan tambien Barry Rogers, Lewis Kahn y Reinaldo Jorge en los trombones, la percusión con Nicky Marrero, Pablito Rosario, Frankie Malabé y Mike Collazos, Lou Sollof y Randy Brecker , trompetas, Eddie “Guagua” Rivera, bajo y al piano y arreglos el mitico pianista Marcolino Dimond. NO olvidemos el famoso Beethoven´s Five, el quinto de Beethoven. De Dante, podemos definir su agerrido carácter músical, su perseverancia en un medio que no premia necesariamente la inteligencia y tal vez su aporte más valioso, fue el abrir los ojos a las futuras generaciones que sintieron en la realidad social elementos de denuncia y liberación, una fuente de inspiración. www.tropicoyclasico.blogspot.com Hollman Leal Gómez

Ozzy, dinosaurio, despierta..... de donde viene......

John Michael Osbourne. OZZY OSBOURNE 3 de diciembre de 1948 Que trajo este dinosaurio musical a Colombia ??, una gigantesca montaña de música e historia del rock, 40 años de creación de sonido personal. Pero de donde viene ??? Que más podemos decir............. Tuvo una niñez pobre, en la cual llegó a trabajar como lustrabotas. Su familia era de clase trabajadora. Con continuos problemas económicos, las peleas conyugales eran habituales, sobre todo cuando su padre llegaba borracho. Durante su adolescencia se convirtió en un gran fan de The Beatles. Es conocida su frase «Cuando dejé la escuela, quería ser fontanero. Cuando escuché a The Beatles quería ser un Beatle».4 Dejó la escuela a los quince años y se empleó en varios trabajos donde pagaban muy poco, optando por la vida delictiva, robando en casas hasta que lo arrestaron y fue condenado a 3 meses de cárcel. Ahí, él mismo con una aguja de coser y un trozo de grafito se hizo varios tatuajes: El de "OZZY" en sus nudillos y unas caritas felices en sus rodillas. Tras seis semanas de encarcelamiento salió libre. Fue cantante en pequeños grupos musicales de la zona de Birmingham, hasta que conoció a Tony Iommi, Bill Ward y Terence "Geezer" Butler y formaron la banda Polka Tulk Blues Band (nombre tomado de una tienda de ropa pakistaní del área) en 1965, después de ver un anuncio donde se buscaba a un vocalista, a la que cambiaron luego el nombre por Earth, con la que consiguieron cierta resonancia en la zona. Pero había otra banda con el mismo nombre, por lo cual decidieron cambiarlo por Black Sabbath, una de las iniciadoras del hard rock y heavy metal. Nombre que Butler tomó de una vieja película de Boris Karloff de 1963. Este nombre de la banda surge ante una inesperada visión de Geezer Butler en su cuarto. Se trataba de una figura vestida de negro que lo miraba fijamente, de este suceso se origina uno de sus más grandes éxitos, la canción homónima de su álbum Black Sabbath. Tuvo grandes éxitos en esa banda, como "Paranoid" o "Iron Man" canciones que triunfaron mucho y llegaron a puestos altos en las listas de popularidad de Estados Unidos e Inglaterra. www.wikipedia.com Disfruten de un gran solo de guitarra en Mr Crowley publicada en 20 de septiembre de 1980, primer exito como solista luego del retiro de Black Sabbath con la banda: Ozzy Osbourne - voz Randy Rhoads - guitarra Bob Daisley - bajo Don Airey - teclados Lee Kerslake - batería Larga vida a Ozzy....

Por el mundo he vagado, perdido, a ti quiero regresar, mi morena….De Nueva York a Cali. Hermanos Lebron.

Hago un homenaje a la producción músical de una familia que ha hecho un aporte muy valioso al movimiento músical salsero, cada dia se reconoce, más el aporte fundamental al desarrollo de la integración de ritmos norteamericanos como Gospel, R&B, Jazz y su interacción con el guauguanco, montuno y son. Tomamos este biografica de la página oficial http://thelebronbrothers.com/discografia En el mundo de la salsa una agrupación logró el éxito porque pudo fusionar el soul y el rythm & blues con el sonido afroantillano y de esta forma conquistar el público caribeño y el afroamericano. Se trata de Los Hermanos Lebrón, diestros creadores del funky blues a finales de la década de 1960. Fueron los que insertaron las líricas en inglés y le agregaron cierto sabor de gospel al movimiento de la salsa. La familia Lebrón se inició en el pueblo de Aguadilla, Puerto Rico y continuó creciendo en el sector negro de Brooklyn, Nueva York, ciudad a la que llegaron sus padres en 1952. Pablo, María, José, Ángel, Carlos y Franky se educaron en un ambiente netamente musical y con sabor a su tierra natal… el padre escribía décimas y en la familia la mayoría eran músicos y tocaban cuatro y guitarra, además de cantar. Pablo Lebrón, quien se destacó por su voz, nació el 30 de junio de 1937, el único que vivió su infancia y adolescencia en el pueblo de Aguadilla, en Puerto Rico. En 1954 organizó el grupo Las Tres Monedas, el cual sirvió de inspiración para sus hermanos, y en 1965 fundó la Orquesta Arecibeña. Por su parte, sus hermanos Ángel y José Lebrón, en 1962 organizaron su primera agrupación, en la que también integraron a su primo José Manuel. La llamaron Los Eltones. En una ocasión Pablo, que estaba con su Orquesta Arecibeña en el club Las Vegas de Brooklyn, logró que el dueño del local les diera una oportunidad. De esa manera, la agrupación, que desde entonces se nombró Ángel Lebrón y su Combo, comenzó a trabajar de lunes a viernes en el club interpretando los éxitos del cancionero popular afroamericano. La oportunidad para grabar les llegó de la mano del empresario George Goldner, jefe del sello Cotique, gracias a que había aceptado escucharlos en vivo. Como ese encuentro era importante, Ángel y José le pidieron a su hermano Pablo que los acompañara en las interpretaciones, para aprovechar su veteranía y maravilloso estilo interpretativo. Los hermanos Ángel, José, Pablo y Carlos interpretaron, a su manera y estilo, dos boogaloos. Fue Goldner quien les sugirió que se llamaran Los Hermanos Lebrón y les solicitó la preparación de un álbum completo. El album apareció en 1967 con el título de Psychodelic goes latin: The Lebrón Brothers Orchestra, el cual incluyó los temas Summertime blues, Tall tale, Mary, Mary y My cool boogaloo. También cantaron en español Suena, Mi mambo, Mala suerte y Descarga Lebrón. Gracias al éxito arrollador del primer trabajo, en 1968 presentaron su segundo disco, The Brooklyn Bums, nombre de un famoso equipo de béisbol. Publicaron nueve temas con interpretaciones en inglés y español, entre otros You've lost that lovin' feeling, The village Chant, Boogaloo pa mi San Juan, Vacilón, Son sabrosón y El cantante. En 1969 apareció I Believe y Brother, que impuso éxitos como Pancho, el Loco, Daddy's home, Nona, Dance, dance, dance, Boogaloo Lebrón, Díganle, Don't be afraid, Fe, Couldn't give you up y Since you've been gone. La década del 70 En los 70 el boogalo empezó a perder terreno y Los Hermanos Lebrón reflejaron este cambio produciendo un disco totalmente en español. Apareció en 1970 con el título de Llegamos y con temas como Mi fracaso, Tus recuerdos, Orgullo, riqueza y lujo, No le diga, Sin ti, Equivocada, El balcón aquel y Todo lo echas a perder. En 1970 apareció Salsa y control uno de los éxitos más importantes de la salsa. En este álbum también publicaron temas como Tú llegaste a mi vida, Qué pena, Piénsalo bien, Estoy loco, Bongó loco, Regresa a mí y Sabor típico. Es en este álbum que se hizo evidente la influencia americana con el soul y el rythm & blues, los toques de jazz y los innovadores seis coros, que le brindaron un verdadero sello de distinción. En los boleros, buscaron el sonido tradicional de los tríos puertorriqueños. Para muchos, Los Hermanos Lebrón, una verdadera institución dentro de la música del Caribe, son de los primeros en utilizar la palabra Salsa. A partir de Salsa y control, todo lo que se conocía como son, mambo, guaracha o guaguancó, se renombró como salsa. En 1971 los hermanos Ángel, José, Pablo, Carlos y Frank Lebrón publicaron con el sello Fania Picadillo a la criolla, álbum del que se destacaron temas como Temperatura, Te lo imaginas, Vagabundo y La agonía, entre otros. En 1972 publicaron En la unión está la fuerza que incluyó hits como Dulzura, Solamente tú, La envidia y la tumba, Como son las cosas y Moros y cristianos. Estuvieron con Fania hasta 1984, tiempo en el que aparecieron los discos Asunto de familia (1973), 4+1 (1975), Distinto y diferente (1976), The new horizont (1978), La ley (1980), Hot stuff (1981) y Criollo (1982). En enero de 1981, Pablo sufrió una trombosis cerebral. Esto marcó su retiro de la agrupación y en solidaridad los Lebrón tuvieron un receso de cuatro años. En 1985 volvieron a los estudios de grabación con el vocalista Frankie Morales y produjeron Salsa Lebrón (1986). Luego apareció El boso (1988), cantando Pablo Lebrón, y poco después Loco por ti, vocalizado por Ángel y José. A partir de entonces, llegó al grupo el cantante Luisito Ayala, quien permaneció por más de una década. Lo místico fue publicado en 1998 y le siguió el álbum 35 Aniversario" en el 2002, además de varias compilaciones. El 28 de diciembre de 2006 Los Hermanos Lebrón se presentaron en el teatro Jorge Isaacs de Cali, Colombia, para rendirle un merecido homenaje en vida a su hermano Pedro. De este homenaje surgió un espectacular DVD, con testimonios y mucha música, que titularon Asunto de familia, retomando el mismo nombre que ya la habían dado a una de sus producciones. Este documento histórico junto con un disco compacto que ofrece 10 de sus clásicos en honor a sus 40 años de vida artística, en el 2009 se sumaron al catálogo del naciente sello Global Entertaiment Music, para beneplácito de todos sus seguidores. Los hermanos Lebrón llegaron a ser cinco, aunque Pablo ya no está en la orquesta desde hace varios años por su enfermedad, Por su música y sus grabaciones la obra de Pablo Lebrón, Ángel Lebrón, José Lebrón, Frankie Lebrón y Carlos Lebrón sigue vigente.

Gato, en Latinoamerica, la música de los Andes en la boquilla de un saxofón.

Leandro Barbieri, mejor conocido como el GATO BARBIERI, nace en Rosario, Argentina; 28 de noviembre de 1932 Representante destacado del jazz latino, participó en su juventud en la banda de otro destacado jazzista argentino, Lalo Schifrin. Ha abordado también en su carrera el jazz de vanguardia, sobre todo en la década de 1960, y el pop y la fusión a finales dela década de 1970. Ha sido influenciado por John Coltrane, Pharoah Sanders y Carlos Santana. Su música tiene frecuentemente un tono desgarrado, a base de notas largas y con un volumen elevado. A los doce años aprende a tocar el clarinete tras sentirse impresionado por la escucha de "Now's the Time" de Charlie Parker. Se traslada con su familia a Buenos Aires en 1947 y continua recibiendo lecciones de música, cambiándose al saxo alto; hacia 1953 se convierte en una celebridad musical gracias a sus actuaciones en la orquesta de Lalo Schifrin. A finales de la década, comenzó a dirigir sus propios grupos, tocando ya el saxo tenor. Se traslada a Roma en 1962 y conoce en París a Don Cherry, uniéndose a su grupo y empapándose del jazz de vanguardia. Tocó también con Mike Mantler's Jazz Composers' Orchestra a finales de la década de 1960. Ya en la década de 1970, experimenta un cambio musical y se decide por la reincorporación en su música de melodías, instrumentos, armonías, texturas y ritmos sudamericanos, con dos excelentes músicos, Domingo Cura y Adalberto Cevasco. Discos como el directo El Pampero on Flying Dutchman y sus obras para Impulse, con exploraciones de ritmos y texturas brasileñas, afrocubanas y argentinas, le proporcionaron un gran prestigio en el mundo del jazz. Fue, no obstante, un éxito comercial el que lo llevaría a sus cotas más altas de popularidad: su sensual banda sonora para la película de Bernardo Bertolucci El último tango en París, de 1972. Un contrato con A&M en los Estados Unidos le llevó a realizar discos de fusión entre jazz y el pop a finales de la década de 1970. Se centró luego, a principios de la década de 1980, en un sonido suramericano más intenso e influenciado por el rock, aunque sus oscilaciones estilísticas son constantes en su carrera. Aquejado de serios problemas al corazón y afectado por la muerte de su mujer, Barbieri estuvo inactivo prácticamente a lo largo de toda la década de 1990, pero regresó en 1997, tocando intensamente en el Playboy Jazz Festival de Los Ángeles, grabando a partir de entonces varios discos. Discografía Notoria faltan muchos mas………………….. • Menorama (private pressing, 1960) • Gato Barbieri & Don Cherry (1965) • Togetherness (Don Cherry (jazz), 1965) • Complete Communión (Don Cherry (jazz), 1966) • Symphony for Improvisers (Don Cherry (jazz), 1966) • Hamba Khale (with Dollar Brand, 1968) • Hamba Khale (with Dollar Brand, 1968) • Orgasm (Alan Shorter, 1968) • Communications (jazz album) with the Jazz Composer's Orchestra, (1968) • Under fire (1969) • The Third World (1969) • Liberation Music Orchestra (album) (Charlie Haden, 1969) • El Pampero (1971) • Fenix (1971) • Last Tango in Paris (1972) • Bolivia (1973) • Chapter One: Latinoamérica (1973) • Chapter Two: Hasta siempre (1973) • Yesterdays (1974) • Chapter Three: Viva Emiliano Zapata (1974) • Chapter Four: Alive in New York (1975) • Caliente (1976) • I Grandi del Jazz (1976) • Ruby Ruby (1977) • Apasionado (1982) • Qué Pasa (1997) • Che Corazón (1999) • The Shadow of The Cat (2002) Le recomiendo el enlace de CALLE 54,con los temas BOLIVIA LLAMERITO Y TANGO, con su grito de arreo de ganado, su llamado a las planicies andinas. www.wikipedia.com

“Ponte Bomb”, mantenlo prendido y no lo dejes apagar… Bomba Estéreo. Música Urbano-Caribeña.

Hace solo seis años que aparece una propuesta músical, en la capital colombiana, con explosivo nombre Bomba Estéreo, en Bogotá Simón Mejía, anterior integrante de bandas como AM 770 Y los charconautas, se embarca en una búsqueda de sonidos y experimentaciones basadas en la ritmica caribe, los bits, los samplers y la guitarra, bateria, en compañía Kike Errugola, Julian Salazar, luego llegaria la samaria Liliana Saumet, vocalista y autora de letras vivas que manifestaron fuerte impulso basado en el canto tradicional y el rap. Su primer trabajo Volumen 1, “Huepaje”, fue la insignia de esta opera prima musical, pero gracias a su fogueo y trajinar músical, se presento en el 2008 el album Estalla, bajo el sello musical Polen Records y para el mercado internacional Nacional Records, con el nombre de Blow up. Es corta la vida músical de esta agrupación pero su influencia y dinamica créativa no lleva a pensar estar ante una nueva luminaria en el escenario de la música urbano-caribeña, “Fuego”, su sencillo les ha permito mantenerse en los oidos musicales en Europa, Brasil, Japón y Norteamérica. Presentaciones esn Conferencia Mundial de Música en Nueva York, South by Southwest Music en Austin Texas. Los dejo iniciados con “Fuego”, “Felling” y “Ponte Bomb”, cover del famoso tema “Pum up the jam” de Tecnotronics, disfruten de esta cadencia caribe, sonidos nuevos, nuevas propuestas. http://www.bombaestereo.com/ Discografía • Volumen 1. Polen (2006) • Estalla/Blow Up. Polen/Nacional Records (2008) • Ponte Bomb (EP). Nacional Records (2010) Videoclips • Nieve en Cali (2006) • Huepajé (2007) • Corinto (2007) • Caminito (2008) • Fuego (2009) • Agua salá (2010) • Ponte Bomb (2011) http://youtu.be/UHdorv8zMK4 http://youtu.be/BBgtm4vE_rk http://youtu.be/yyL8husfEBs

¿Cuánto vale ese Saxofón? Antonio Arnedo, músico por decisión.

Sin preámbulos, llega a la música colombiana un representante que involucra los sonidos del jazz, del free jazz y el jazz modal con tonalidades de John Coltrane, pero que para los que disfrutamos la sonoridad del clarinete de Lucho Bermúdez, es la esencia de una prolongación musical, es Antonio Arnedo, músico por herencia familiar, investigador nato de las tonalidades regionales de la música colombiana, una especie de científico del sonido origen del folclor. Sus álbumes más importantes: • COLOMBIA • TRAVESIAS • ORIGENES • ENCUESTROS Descubren una vena fundamental del sonido colombiano, un sonido que han seguido músico nuevos que involucran los matices folclóricos no solo con el jazz, agregan música electrónica, pop y elemento que buscan descubrir otros percepciones, otras música y por su puesto otras visiones. En alguna ocasión diría Arnedo refiriéndose a su obra "Colombia": "Este último trabajo apela a nuestras raíces, sin la pretensión de ser comercial. Simplemente, con la convicción y el soporte de una seria investigación de no pocos años". Solo por el disfrute de un sonido entrenido y dinámico de cumbia con porro de Puerto Candelaria y Antonio Arnedo Festival Internacional de Jazz, Ibague 2010. (Les debo el nombre del tema) http://www.youtube.com/watch?v=XGO1fA26Cvo

EL extraño caso del trombonista jamaiquino Don Drummond quien definio el SKA PRIMERA PARTE

Todo el desarrollo del sonido anterior a Bob Marley en Jamaica, merece un gran reconocimiento para la mayoría de los aficionados a la música Caribe. Marley es un resultado de muchas tendencias y músicos que se desarrollaron de manera aislada y subterránea en algunos casos en la escena de Kingston, capital de Jamaica. Existe un género que esta más vivo que nunca y arraigado en ciudades equidistantes de la urbe jamaiquina como Bogotá, Rio de Janeiro, Montevideo, Buenos Aires y porsupuesto Londres. Su sonido se ha transformado en la música de las barras de los equipos de futbol y de los vítores y canticos de lucha y presencia para muchos grupos sociales emergentes en estas ciudades, es el denominado SKA, este género musical que surge en los años cincuenta y que mezcla la influencia norteamericana de rythm and blues principalmente con el soul y el jazz. El Ska, la palabra en es una onomatopeya del sonido de la guitarra, y se define como la música de transición entre los ritmos rurales de Jamaica y las influencias negras norteamericana y que por supuesto más tarde se llegarían al sonido moderno del Regaee. Don Drummond conocido como “Don Cosmic” o “Don D”, nacido en Kingston, en el año de 1943, quien se desempeño como profesor de música en el Alpha School, un estricto colegio católico de esta capital, dedicaba sus esfuerzos a educar a los niños más pobres de esta ciudad, pero con un alto componente penal y extremadamente disciplinado, rodeado de la influencia musical y nocturna de una ciudad pujante a finales de la primera década del siglo veinte. Este portentoso trombonista formo la generación de trompetas, saxofones y trombones que más tarde darían origen a las “brass”, esa barra de músicos de vientos que definen el sonido único del SKA, Regaee y Rock británico. Disfruten de ALIPANG de DON DRUMMOND Y JAZZ SKA SKATALITES.1964. Y luego les sigo contando.....

El futuro determinista de la percepción músical.2 parte.

Segunda parte Y claro para donde va la música, que enfoque estaremos viviendo, el que se describe por los análisis sociológicos, que se evidencia desde los años setenta en las urbes, los grupos, las denominadas tribus urbanas, que se identifican en ejes claros, como el compartir gustos específicos y es la música un elemento de cohesión. Que sigue, música rápida, para el consumo propio, de poca vigencia, generada por el afán de figurar, más que por el tinte estético, músicas que se crean y se divulgan en tiempo real que los vincula a los avances tecnológicos, nuevos sonidos, nuevos músicos, preocupados por la forma y no por el fondo, alejados de los componentes vitales de la creación estética; lo bello, lo bueno y lo útil. La industria musical seguirá apostándole al fundamento repetitivo de las formulas, si algún elemento te funciona repítelo cuantas veces sea necesario hasta agotar el recurso. Iconos más jóvenes, más excéntricos y con más recursos técnicos que personales y vocales. El panorama nos muestra distintas alternativas, que vislumbran la esperanza en la historia, que por fortuna ha sido generosa, ya que cuando parece no haber camino, aparece un sonido que destaca. Esperamos. http://www.youtube.com/watch?v=niOo229tKtA

EL SUPER CONGO, Joe Arroyo, de verdad, esta vez si voy a montar mi orquesta.

Alvaro José Arroyo Gonzalez. Nace en Cartagena, Departamento de Bolivar, en Colombia el 1 de noviembre de 1955 el denominado en las lides musicales del trópico, Sonero de América, un personaje mítico de la música, quien a los 8 años ya tenia un excelente afinación y quien a los 12 años se debatía entre el coro sacro de la Catedral y las noches de farra y bohemia del bar la Tuerca de esta ciudad, para soportar ya de manera precaria las necesidades familiares. Hizo escuela musical en la agrupación Los Corraleros de Magajual, pero fue Barranquilla la que cambio su rumbo músical ya que se trasladó a Barranquilla y su carrera musical arrancó en serio con Fruko y sus Tesos donde fue vocalista principal. Composiciones como Tania, El caminante, son algunos de sus grandes éxitos. También formó parte de la orquesta The Latin Brother’s. En 1982 formó su propia agrupación: La Verdad. Pero su exitosa carrera estuvo a punto de truncarse en 1983. Problemas de salud y problemas con las drogas le dejaron al borde de la muerte. Finalmente resurgió y pudo continuar con su carrera. Ha recibido 18 Congos de Oro y un Supercongo, entre otros premios y condecoraciones. (Carnaval de Barranquilla) 1981 – ARROYANDO 1986 – MUSA ORIGINAL 1987 – ECHAO PA´LANTE 1989 – EN ACCION 1990 – EXITOS 1991 – EL SUPERCONGO 1991 – LA GUERRA DE LOS CALLADOS 1991– TOQUE DE CLASE 1993 – FUEGO 1995 – LO DIFERENTE 1995 – SUS RAZONES TENDRA 1997 – ANTOLOGIA MUSICAL VOL 1 1997 – ANTOLOGIA MUSICAL VOL 2 1998 – AQUÍ ESTOY 1998 – DEJA QUE TE CANTE 1998 – EL SONERO DE AMERICA 1998 – FUEGO EN MI MENTE 1998– REINANDO EN VIDA 1999 – CRUZANO EL MILENIO 1999 – EL BAILE DEL SIGLO, DISCO 1 1999 – EL BAILE DEL SIGLO, DISCO 2 1999 – 20 ANIVERSARIO 2000 – EN SOL MAYOR 2001 – LOS REYES DEL TROPICO (CON JUAN CARLOS CORONELL) 2001 – REBELION 2002 – 14 CAÑONAZOS BAILABLES 2002 – EL ORIGINAL, DISCO 1 2002 – EL ORIGINAL, DISCO 2 2002 – MARCANDO TERRENO 2002 – SUS MEJORES TEMAS TOPICALES 2003 – GRANDES EXITOS, DISCO 1 2003 – GRANDES EXITOS, DISCO 2 2003 – LO SALSERO DE JOE 2005 – SE ARMO LA MOÑA EN CARNAVAL 2007 – EL SUPERJOE La Verdad, denominó a su orquesta ya que Joe Arroyo estuvo varios años invitando músicos a formar su orquesta, de manera que ninguno ya le prestaba importancia a sus comentarios, cuando pudo concretar su proyecto, lo denomino a si, ahora si es de verdad, la orquesta, la Verdad. http://www.youtube.com/watch?v=MPRMRReBbJY

Epica, en Cali, febrero 2 de 2011

Epica, en Cali, febrero 2 de 2011

Grupo holandes encasillado en el subgenero gotico del metal,(?), compartimos el registro fotografico

SIMONE SIMONS, la voz eterea en Cali, EPICA febrero 2 de 2011

Mil gracias a nuestro corresponsal en el concierto de Epica en Cali, Andrés Gil, quien muy amablemente nos compartio su registro fotografico, pocas veces tenemos la oportunidad de ver este tipo de eventos en un escenario de esta calidad, con la mayor comodidad y un excelente sonido. EPICA.