“El arreglista musical es como un sastre”, Elías Lopés García, trompetista y arreglista.

Por: Hollman Leal Gómez
"Mi papá se oponía porque yo era joven, estaba estudiando y él estaba prejuiciado por los titulares que se leían de las andanzas de (Rafael) Cortijo e Ismael (Rivera). Además, Mario Ortiz era muy importante en mi vida y con mi carrera profesional que no había pensamiento para nada más". (1) Así lo dice Elías Lopés García al momento de referirse a por que su padre demoró su aprobación para que integrara el Gran Combo de Rafael Ithier, su temor a que su hijo se contagiara del espíritu de Cortijo e Ismael y claro que dejara los estudios que realizaba en el Conservatorio de Puerto Rico.

Elias Lopés con “s” y con tilde en la “e” nace en la población de Guayama, Puerto Rico el 7 de febrero de 1945, definio su vocación por la trompeta desde muy joven y su primer instrumento lo recibió por parte de su tía. Por se un niño prodigio comenzó sus estudios en la Escuela Libre de Música en San Juan, a donde su familia se había mudado.

Cuando cumple los 13 años comienza a integrar la Orquesta de Luis Morales y luego la de Charles Mines, donde recorrió hoteles y restaurante de la época y donde se pulió en los estilos, ritmos y bailes, comenzando a incrementar su acervo musical que le permitió rápidamente integrar agrupaciones como la Orquesta de Moncho Usera y la famosa banda del Hotel San Juan, la de Charles Fisk, quien acompañara todas las rutilantes figuras anglófonas que pasaron por la capital puertorriqueña como Samy Davis JR, Nancy Wilson, Marlen Dietrich, Tom Jones y el icono Nat King Cole.

A los 16 años entro a la orquesta de quien sería su maestro y promotor Mario Ortiz con el que grabó en 1963 “ON THE ROAD” y en el año de 1964 “THE SWINGEST”, tiempo en el cual ingreso al Conservatorio de Musica de Puerto Rico, destacándose como alumno de Cristopher Leuba y fue de igual forma primera trompeta en la Orquesta Sinfónica de Estudiantes de dicho conservatorio.
De Elías Lopés, debemos resaltar su gigantesca participación en la formación, arreglos y composición musical de acuerdo a esto enumeramos algunas de las orquestas y agrupaciones en las que participo:
• MONCHO USERA
• MARIO ORTIZ
• GRAN COMBO DE PUERTO RICO
• ORQUESTA LA GRANDE
• JOHNY EL BRAVO
• SONORA BORICUA
• SONORA PONCEÑA
• CELIA CRUZ
• BOBBY VALENTIN
• ROBERTO ROENA Y APOLLO SOUND
• PROYECTO HABANA JAM CON FANIA ALL STARS

Esta es solo una breve reseña de uno de los más importante trompetistas y arreglistas del movimiento salsero, aporto un gran desarrollo musical a las armonías con el uso del trombón que se evidencia en las formaciones Apollo Sound de Roberto Roena, su versatilidad y su capacidad para pulir y educar voces y cantantes le permitió ser maestro de nuevos talentos como lo fueron en su época Junior Toledo y Pedro Brull, quienes siempre agradecieron la situación de enseña y mejora que tuvieron en él.

Vale destacar que los caminos que cruzan la vida lo citaron en el año 1977 en un mitico lugar salsero de propiedad de Bobby Rodríguez, en Nueva York llamado “El Corso”, allí lo esperaba Hector Lavoe, quien le manifestó su desagrado por la ciudad de Nueva York y su deseo de volver a Puerto Rico y montar su propia orquesta, a Elias le sonó el comentario y la propuesta quedo en pie, sus compañero de mesa empresarios le dijeron que era la oportunidad de su vida, para hacerse millonario, situación que el al día
siguiente medito y decidió no aceptar, pues por su criterios y convicciones no quería ser cómplice de la carrera de autodestrucción y drogas del “divo” salsero y cada cual siguió su camino de éxitos y música.
(1) Instituto de Bellas Artes de Puerto Rico, Reseñas artísticas.

NI EL ORNITORRINCO ES UN AVE, NI EL “CHOKE” ES SALSA

Por: HOLLMAN LEAL GOMEZ
“No por tener pico y patas de pato el ornitorrinco es un ave”, sin pretender ser puristas o académicos del movimiento salsero, vale aclarar que lo llamado “Salsa choque” o “choke”, no es más que una mezcla más de la llamadas “Músicas urbanas de masas”, una serie de “samplers”, del inglés “sample”: muestra, que consiste en tomar un fragmento de una canción o tema de manera especial y repetirlo las veces que sea necesario como una base en una composición, adaptándola a un esquema nuevo, el ejemplo más fácil en estos momentos es tomar el tema de “moda” Ras Tas Tas de Cali Flow Latino que “samplea” a su vez el tema del rapero norteamericano Ludacris llamado “MOVE BITCH GET UP THE WAY”. De igual forma no por tomar elementos de la música del Pacifico colombiano, el “choke” como lo llamaremos en adelante, lo hace ser música del Pacifico, o por tomar fragmentos de bugalú o pachanga los hace ser de este género.

Les aclaro a los que indican en distintos artículos de periódicos y redes sociales, que NO existe un “ritmo de Salsa”, la Salsa no es un ritmo son una cantidad de ritmos que se desarrollaron en la ciudad viniendo de unas regiones rurales y caribes, ritmos lo son la guaracha, el son, el guaguancó, el montuno, la plena, la cumbia, la bossanova. La Salsa es el nombre genérico que se le dio en los años sesenta y setenta a un grupo de ritmos caribeños que enmarcaban un movimiento social nacido en la ciudad de Nueva York, con sus alegrías, sus afanes, sus dudas, sus miedos e incertidumbres del sentimiento del latino en esa gran urbe y que se gestó en el Caribe y de ahí se expandió por todo el mundo. El baile de Salsa, eso sí es otra faceta, porque la salsa es un baile también.

Luego de esta aclaración y de la definición de términos, es fundamental entender que la estética está relacionada claramente con lo que se está viviendo en estos momento, ya que cualquier expresión musical, en este caso el “Choke”, se confunde con cualquier otra, sencillamente por el hecho de que el oyente primario carece de formación y conocimiento para discernir sobre lo que está escuchando y sin bases ni parámetros para su percepción de la belleza, la visión que tendrá al final también será limitada y manipulada. Respetamos estas formas de expresión que no son más que las voces de quienes mezclan su necesidad de identidad, con la facilidad tecnológica, el deseo de reconocimiento y el afán mercantil.

El tiempo es implacable a la hora de decir que es válido y que no en el arte. Son grandiosas estas expresiones cuando buscan el desarrollo humano, eleven la conciencia del individuo, engrandecen la persona y para que todos llegue lo bello y lo sublime. El tiempo es implacable a la hora de decir que es válido y que no en el arte ¿Hacen estas músicas esto?

Del rock duro y el metal pesado, la forja de las cuerdas de acero.

Por: Hollman Leal Gomez

Existe una simbiosis determinante y única, una inseparable conjunción de instrumentos que dan origen a la identidad de un género musical, que sin estas herramientas, difícilmente mostraría lo que es su esencia. Es como se percibe el Rock and Roll, las guitarras eléctricas y el bajo, definen sin duda la progresión armónica y musical, no que no se pueda realizar Rock sin estos instrumentos, es posible, se ha hecho, pero no le daría ese carácter particular y al que tanta devoción se le brinda.
La guitarra definió la identidad del Rock, como el saxofón y la trompeta lo fueron al jazz, o el bandoneón al tango, es un tema de representantes de líderes de expresión y creación, de profetas de su género que a través de un estilo individual, personal, definen el estilo del género.

Una de las vertientes del Rock se generó en Birminghan, Inglaterra, a finales de los años sesenta en una población netamente industrial, como altos niveles de contaminación auditiva, ambiental, entre el humo y el ruido, creció una generación posterior a la segunda guerra mundial, con carencias diversas, pero que formo un perfil personal determinado por la industria y sus consecuencias en la vida de las personas, desde la insatisfacción laboral, explotación, ambientes y calidad de vida dura y deficiente, este fue el entorno que derivo en la creación de lo que se enmarcaría con el nombre de “Heavy Metal” (Metal Pesado), de ahí entenderemos por analogía el nombre que le dio un periodista para enmarcar ese nuevo género, que no tendría futuro, según los medios de la época.
Tommy Iommi, un operario soldador que sufrio una amputación parcial de las primeras falanges de su mano derecha y que interpretaba la guitarra eléctrica en una agrupación de blues, jazz y rock, con otros tres integrantes, empleados que hacían de la música escape a sus frustraciones sociales y económicas, encontraron en otro personaje, Ozzy Osborne, un carnicero de profesión, el mejor elemento para la creación de letras, mitología y misterio del novel género musical.

Esta epidemia musical encontró focos de germinación en las esquinas del mundo, en diferentes idiomas se le dio matices particulares que se extenderían creando distintos subgéneros, el público hispano no fue la excepción, había ansias profundas para vivir este género en las mismas formas como se vivía en inglés, pero pasaron muchos años para que una agrupación que cantara en española, narrara su historia entre guitarras, bajo y batería, con el nombre de un personaje de la Segunda Guerra Mundial, Manfred von Richthofen, “Baron Rojo” (1980) , fue el detonante para encontrar en una alineación de cuatro músicos las grandes bases del metal en español, de ellos podríamos extendernos en una gran avalancha de datos e información, pero su esencia se puede resumir en tres títulos “Resisteré”, “Los Rockeros van al infierno” y por la virtud del rock “CUERDAS DE ACERO”.

El rock vive por su íntima relación con la percusión como motor, la voz desgarrada y las ataduras de las cuerdas de acero.

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HOLLMAN LEAL GÓMEZ TROPICOYCLASICO

TROPICOYCLASICO 2004-2014 "10 AÑOS DE CAMINO EN LA MUSICA"

Diana Krall, 20 años de gratitud con el Festival de Jazz de Montreal en su 35 años

Por: Hollman Leal Gómez

En el año 2014 se cumplen 35 años del Festival de Jazz de Montreal, existen un sinnúmero de artistas que han desfilado por el que sin duda, es el festival más importante de jazz a nivel mundial, por su número de conciertos, por la multitudinaria audiencia, por la cantidad de espectáculos gratuitos y por la cultura que se ha creado entorno a este evento.
Es por eso que han sido considerables los artistas que se han nutrido con las oportunidades que se brindan para quienes comienzan sus carreras y desean, que se les otorgue ese umbral que les abra las puertas al reconocimiento musical en el exigente oído del publico jazzista.

Diana Krall ofreció el día de hoy 29 de junio de 2014 un concierto gratuito en el desarrollo del Festival de Jazz de Montreal, esta presentación es una chispa de gratitud para quienes le dieron la oportunidad en el año 1995 cuando esta pianista contaba con 31 años de edad y que tal vez un poco tardíamente comenzaba su exitosa carrera musical.
Diana Jean Krall, nace el 16 de noviembre de 1964, en la población de Nanaimo, Columbia Británica, Canadá, en una familia que amaba la música y que tenía en su padre James, un coleccionista de vinilos de jazz de los años 30 y 40, conocedor de las figuras del piano y del canto en este género musical, lo que le permitió desarrollar un gusto por este estilo.

Comienza rápidamente a los 4 años a tocar el piano e integra de niña una agrupación de jazz en su escuela, a los 15 años ya tocaba el piano en numerosos restaurantes de su pueblo natal, a los 17 años gracias a una beca que gana en el Festival de Jazz de Vancouver y que le permitio viajar a Boston a estudiar al reconocido Colegio de Música de Berklee y donde pasó 3 años, luego por sugerencia de su mentor Ray Brown, ex esposo de Ella Fiztgerald y ex integrante del trio de Oscar Peterson y Jeff Hamilton, este la convence de buscar nuevos horizontes en Los Angeles, California, Estados Unidos donde realiza trabajos y se da conocer ante productores y músicos, pero su mayor cambio lo logra siendo alumna de Jimmy Rowles, con quien empieza a cantar también, luego mira hacia Nueva York 1990 donde se radica y tres mas tarde viaja nuevamente para establecerse en Canada.

Su primer álbum en solitario aparece en 1993 con “Stepping Out” y como lo expresamos solo en 1995 recibe una oportunidad que le cambiar su reconocimiento en el mundo musical, ella se presentaría en el Cabaret Museo “Juste pour rire”, realizando un homenaje a Nat King Cole, que se convertiría en su tercer álbum rápidamente y que le permitiría estar entre los posibles ganadores del Grammy al mejor álbum de jazz, tan solo en 1999 obtendría el galardón a mejor álbum de jazz vocal por su álbum “When I look in your eyes”.

Dueña de una voz agradable, placida, elaborada, con excelente vocalización, tranquila en el escenario, con bases de pianista puesta en lo clásico, con gran respeto por los maestros que la guiaron en su formación inicial y que siempre la han acompañado, es hoy ya casi a sus 50 años una de las más importantes embajadoras de este festival de Jazz, el de Montreal. Es esta una portentosa mujer ejemplo de las nuevas generaciones de músicos del jazz.

DISCOGRAFIA
1993 : Stepping Out (Justin Time/ENJA)
1995 : Only Trust Your Heart (Verve)
1995 : All For You - A Dedication to the Nat King Cole Trio (Verve)
1997 : Love Scenes (Impulse!)
1999 : When I Look in Your Eyes (Verve)
1999 : Have Yourself a Merry Little Christmas (Impulse!)
2001 : The Look of Love (Verve)
2002 : Live in Paris (Verve)
2003 : Heartdrops: Vince Benedetti Meets Diana Krall (TCB)
2004 : The Girl in the Other Room (Verve)
2005 : Christmas Songs (Verve)
2006 : From This Moment On (Verve)
2007 : The Very Best of Diana Krall (Verve)
2009 : Quiet Nights (Verve)
2012 : Glad Rag Doll (Verve)

http://fr.wikipedia.org/wiki/Diana_Krall
http://fr.canoe.ca/divertissement/musique/nouvelles/2014/06/28/21772596-qmi.html

“C´est si bon” DE LOUIS ARMSTRONG A JOE ARROYO.

Por: Hollman LEAL GOMEZ

Los caminos de la música son fundamentales para entender los resultados temporales, la música de hoy es la consecuencia de lo que se vivió en otros momentos, ante lo cual lo que parece original es la forma de transformar y hacer que sienta viva cualquier creación musical.

En el anterior articulo hablamos del tema “Ojos negros” y Orlando Pabellón y su adaptación a la Salsa y al Jazz Latino, plasmado en su tema “Ocurrencias”, en esta oportunidad es otro tema que une a Louis Armstrong y Joe Arroyo, nos referimos a “C´est si bon” (Esto es bueno, dirá la traducción).

El tema original fue escrito en el año 1947, originalmente en francés por André Hornez y música de Henri Betti, en ingles existe una versión muy famosa también llamada “it ´s so good”, pero los pilares fundamentales de la popularización son Louis Armstrong con el coro en francés pero la letra en inglés y el icono francés Yves Montand totalmente en su idioma original.
En el año 1953 se inmortaliza el tema en una película llamada “ New Faces”, lo registro la disquera RCA, Eartha Kitt lo canto y casi simultáneamente Johnny Desmond lo registro de igual manera.

El tema es envolvente, elegante y discreto, de profundidad melódica y rítmica simple, bueno eso es lo que nuestra percepción explica. Pero de Louis Armstrong a Joe Arroyo, pasaron muchos años y muchos acordes.
En el tema “Pa´l bailador” de Joe Arroyo, lo explica en su entrevista ante Ernesto Mclausland, sobre la la realización del tema que él, Arroyo, prefería la madrugada para realizar sus composición y plasmar su interpretaciones. Se le pidió a Alberto Barros, el trombonista y arreglista colombiano, que realizara un pequeño solo para matizar el tema, con sus influencias y gran formación tomo el tema “C´est si bon” y lo incluyo ante lo cual Joe Arroyo dijo, le da un tono de cabaret cubano de los años cincuenta y así quedo en la entrevista. Los caminos de la música son profundos e inesperados.
La virtud esta en saborear la música en sus facetas en sus sabores y que cada acorde refleja una intención, un deseo una experiencia que en ocasiones no se sabe a donde va llegar.

ORLANDO PABELLON, "Ocurrencias" de la Trompeta de Oro.

Por: Hollman Leal Gómez

En la primera mitad del siglo XX se hizo popular esta popular melodía, de esas que se convierten en clásicas en el repertorio popular mundial, hacemos referencia a “Ojos Negros” o como se conoce en diferentes idiomas, Ochi Chernye, Otchi Tchornia, Oczi Cziornyje, Black Eyes, Dark Eyes, Les Yeux Noirs, Schwarze Augen. Este tema fue escrito por el poeta ruso Evgenii Grebenka en el año de 1943 y no hay claridad histórica, pero las primeras versiones musicales datan de 1884, solo cuando A. Guthiel la transcribió al pentagrama en el año 1897.

Este tema ha recorrido un sinnúmero de versiones que han atravesado los géneros populares y claro también salto a la música clásica, el jazz y por supuesto en la Salsa ha estado presente.
La música nos llega en ocasiones, sin pedirla, sin esperarla, esta es una de las grandes virtudes de este maravilloso arte, conocimos este tema, “Ocurrencias” de Orlando Pabellón, que lo encontramos en larga de duración de origen “pirata” por así decirlo, con los títulos pero sin los intérpretes, de esos que se realizaban para los programadores de música en los años ochenta en la capital de Colombia, Bogotá. Pero quien es Orlando Pabellón y qué relación tiene Ocurrencias con la pieza musical “Ojos Negros”?.

José Orlando Rivera Pabellón, nace en la población de Juncos, Puerto Rico, 22 de enero de 1952, trompetista, profesor, arreglista, virtuoso que inició su carrera temprana a los 13 años, participando rápidamente en orquestas como la de Moncho Rodríguez, Rafael Bracero, Willie Meléndez y Hermanos López., es allí con la guía de Johnny López donde se inicia en el camino de los arreglos musicales que tanto éxito le han dado, sus estudios superiores los realizó en el conservatorio de música de Puerto Rico, donde se gradua con honores y en donde se convertiría posteriormente en profesor y luego extendería sus conocimientos a su pueblo natal.
“Ocurrencias”, tema incluido en el álbum “Trompeta de Oro” del año 1985, comparte el siguiente orden:
- Como una ola.
- Cortador de caña.
- No hay cascara peor.
- Ocairi.
- Por la calle.
- Regreso.
- Trompeta de oro.
- Tumba bongo.
- Ocurrencias.
“Ocurrencias”, es un tema instrumental, con una gran influencia de los elementos de la música clásica, en su piano extenso en su solo que realiza una interpretación llamativa y clara, de formato guaracha y que al final de los movimientos de las trompetas termina con la melodía de “ojos negros” en un corto solo de piano que se soporta en las suaves trompetas, mostrando lucidamente una interpretación, que se extiende en un solo de bongoes y finaliza con una fuerte presencia de las trompetas.
Pabellón un gran músico salsero, con una obra corta en cantidad de álbumes, pero de una fuerza musical e interpretativa que vale la pena tener en el oído de quien valora y disfruta el movimiento Salsero de los años ochenta.

TAJ MAHAL, de la mano del músico agricultor, la médula del blues.

Por: Hollman Leal Gómez

De forma reciente se ha reconocido el valor de este multinstrumentista, un músico que ha dedicado su vida a la consolidación y estudio del blues acústico y que gracias a ese conocimiento e investigación inicial se abrió a la música de otras regiones, caribe, africana y hawaiana.
Su nombre de pila es Henry Saint-Claire Fredericks, nacido el 17 de mayo de 1942, en Harlem, Nueva York en los Estados Unidos, su padre compositor de jazz y pianista descendiente de inmigrantes caribeños y su madre profesora de canto Gospel de Carolina del Sur, desde pequeño tuvo gran contacto con músicos que pasaban por la casa de sus padres y comenzó de manera temprana a tocar el piano, posteriormente el clarinete, trombón, harmónica, guitarra y canto, Taj Mahal, como decidió llamarse por reconocimiento a ese gran palacio construido en la India, que alberga según él, el gran tamaño de sus sueños, sus influencias desde niño se hicieron evidentes, cuando recuerda a Muddy Waters, Lihtnin ´Hopkins, John Lee Hooker, y Jimmy Reed, los grandes del blues del sur y de Chicago.

Pero irónicamente no se dedicó a la música de manera profesional inicialmente, tal vez con la disposición de su familia para que realizara una carrera universitaria, ingresó a la Universidad de Massachusetts donde curso y terminó la carrera de agricultura en 1964, año en el que decidió viajar a la ciudad de Los Ángeles, en el estado de California, EU. Allí funda su primera banda que incluye a otro notable guitarrista del blues, Ry Cooder (quienes han de recordarlo como el productor y presentador del proyecto musical cubano “Buenavista Social Club”), la banda se denominaría “The Rising Sons”, una agrupación que de manera inmediata escalaría las esferas musicales de su tiempo y se convertiría en el grupo que abriría los conciertos de figuras de los años sesenta, como Otis Redding, The Temptations, Martha and the Vandellas y claro las figuras del blues, como Howlin' Wolf, Junior Wells, Buddy Guy, Lightnin' Hopkins, Sleepy John Estes y Muddy Waters.

Su producción musical inicia en 1967, completando cincuenta álbumes y recopilaciones al como la realizada en el 2008 donde se reúne con otros notables músicos para celebrar sus 40 años de vida artística. Se destacan sus dos premios Grammy, en los años 1997 y 2000, por álbumes de blues.
Taj Mahal, es un músico honesto, sencillo que muestra la simpleza de su música en el profundo estudio de las raíces, desde el blues más sureño, tocado con desenfado con dolor con profunda claridad artística, pasando por el jazz, el reggae, los ritmos africanos, y la guitarra hawaiana.

Para tener en cuenta esta anécdota, el tema Taj Mahal, incluido en el álbum “Ben” compuesto e interpretado por el cantautor brasilero Jorge Be en el año 1972, esa interpretación fue plagiada por Rod Stewart, en la reconocida canción del álbum de 1978 “Blondes have more fun” el tema en cuestión “Da ya thin I´m sexy ¿?”, este fue demanda por Jorge Ben, quien ganó el pleito legal, ante la situación que podía afectar su carrera Stewart, renuncia a los derechos de este tema y lo dona a la organización Unicef de las Naciones Unidas, ante esta situación Taj Mahal, en solidaridad con Jorge Ben, por corresponderle a su vez al tema compuesto con su nombre es decir “Taj Mahal”, le compone un tema llamado “Joge Ben” en 1979 en el álbum “ Live in direct: International Rythm Band”, con la melodía de “Da ya think I´m Sexy” de Rod Stewart, revindicando los derechos de los músicos.

A continuación presentamos su amplia discografía:
1968 TAJ MAHAL Columbia
1968 ROCK –N - ROLL CIRCUS DVD/CD ABKCO Records released 1996
1968 NATCH’L BLUES Columbia
1969 GIANT STEP Columbia
1971 THE REAL THING Columbia
1972 HAPPY TO BE JUST LIKE I AM Columbia available on Vinyl
1972 SOUNDER
1972 RECYCLING THE BLUES & OTHER RELATED STUFF Columbia available on Vinyl
1973 OOH SO GOOD IN BLUE Columbia available on Vinyl
1974 MO’ ROOTS Columbia
1975 MUSIC KEEPS ME TOGETHER Warner Bros. available on Vinyl
1976 SATISFIED –N- TICKLED TOO Warner Bros. available on Vinyl
1977 THE BROTHERS SOUNDTRACK available on Vinyl
1977 MUSIC FUH YA Warner Bros. available on Vinyl
1978 EVOLUTION Warner Bros. (most recent)
1979 LIVE IN DIRECT
1985 CONJURE: MUSIC FOR THE TEXTS OF ISHMAEL REED
1987 TAJ Grammavision
1988 SHAKE SUGAREE Music for Little People
1989 PEACE IS THE WORLD SMILING Music for Little People
1990 BRER RABBIT AND THE WONDERFUL TAR BABY Rabbit Ears
1990 LIVE @ RONNIE SCOTTS Silverline Records
1990 THE HOT SPOT SOUNDTRACK
1991 MULE BONE
1991 LIKE NEVER BEFORE Private Music
1992 TAJ'S BLUES Columbia
1992 SMILIN' ISLAND OF SONG Music For Little People
1992 RISING SONS, FEATURING TAJ MAHAL AND RY COODER Sony
1993 WORLD MUSIC (out of print)
1993 DANCING THE BLUES Private Music
1995 MUMTAZ MAHAL
1996 AN EVENING OF ACOUSTIC MUSIC
1996 PHANTOM BLUES
1997 FOLLOW THE DRINKING GOURD
1997 SENOR BLUES Grammy Award Winner
1997 SHAKIN A TAIL FEATHER Music For Little People
1998 SCRAPPLE SOUNDTRACK
1998 HULA BLUES (TAJ MAHAL & THE HULA BLUES BAND) Tradition and Moderne
1998 TAJ MAHAL IN PROGRESS AND IN MOTION 1965-1998 Sony
1999 BLUE LIGHT BOOGIE Best Of
1999 KULANJAN (AFRICAN HAWK)
2000 BEST OF TAJ MAHAL Sony
2000 SHOUTIN' IN KEY (TAJ MAHAL AND THE PHANTOM BLUES B
2003 HANAPEPE DREAM (TAJ MAHAL & THE HULA BLUES)
2004 MARTIN SCORCESE PRESENTS TAJ MAHAL
2004 LIVE CATCH
2005 MKUTANO Tradition and Moderne
2005 ESSENTIAL TAJ MAHAL Sony
2006 TAJ MAHAL /PHANTOM BLUES BAND LIVE @ ST. LUCIA
2008 MAESTRO

Fuentes:
http://www.tajblues.com/bio.php
www.allmusic.com
Blues la historia completa, por Julia Rolf, ediciones Manon, España.

Babs Gonzales, la voz del "Scat" del Be Bop, del Jazz.

Por: Hollman Leal Gómez

La música repercute en muchas generaciones posteriores como un eco que no es entendido en el momento, en el hoy, sino que pareciese que se escribe para otro tiempo, como si se guardase el mensaje a otras personas. El Be-Bop, es un género del Jazz, que aparece en los años cuarenta en Norteamérica, en un tiempo de guerra mundial y de posterior post-guerra, nervioso, rápido, álgido de sensaciones y con una determinada presencia individual de los músicos, es decir el músico debía destacar por su calidad, era el momento para ello, para saltar de la banda, la agrupación y llegar al solista exponente de su estilo, individualista, pleno de conocimiento de las formas y sus recursos técnicos.

Su nombre artístico “Babs Gonzáles”, asumido de esta manera por dos argumentos fundamentales, el primero sus dos hermanos fueron basquetbolistas apodados “Babs”, en honor a otro jugador famoso de su tiempo, el segundo argumento, su verdadero nombre lo cambio por uno latino, de manera que el “Gonzales”, le abría más puertas que el hecho de portar un apellido en inglés, en época de segregación, el aparentaba ser un músico cubano y lo hacía así ya que también hablaba español.
Su datos biográficos nos dicen, que su nombre era: Les Brown, nacido en New Jersey el 27 de octubre de 1919 y fallecido el 23 de enero de 1980, creció en una pensión que manejaba su mamá y por la que pasaron muchos músicos del entorno de su tiempo, esto lo hizo acercarse al piano primero y luego a la percusión, manteniendo un alto nivel en ambos instrumentos.

A los 21 años de edad dio el gran salto músical causando un gran impacto por su habilidad vocal y su ronca voz que generaría estándares posteriores de quienes desean cantar en el jazz, fue el creador del camino corto a la improvisación vocal que se utiliza aún, su estilo inigualable, lo identifica con el tema “Uuu-pop-a-da” Su agrupación “Three bips and a Bop”, en compañía del pianista Tadd Dameron, donde Gonzales, no solo fue el compositor de todos los temas sino también el arreglista, de ellos. Su estilo le ganaría un lugar preponderante en la agrupación de Dizzy Gillespie. Paso por las bandas de Lester Young, como baterista, con Charlie Barnet, como cantante y arreglista, posteriormente con la agrupación de Lionel Hampton.

Citando a este creativo musical, haciendo referencia a esa posición férrea y que en algunos careciese de humildad, Gonzales dice en una entrevista del año 1973 a la periodista Valerie Wilmer: “….se enorgullece de que la mayoría de las canciones de su repertorio han sido compuestas por él mismo,…..pero insiste, no hago nada que pertenezca a otros. No me gusta la gente que copia” Todo esto lo hace ganarse un espacio particular ya que para él son escasos los verdaderos cantantes de Jazz.

“Hay que conocer las sucesiones de acordes para cantar Jazz, no hay otra posibilidad, hay que pagar los derechos”, dijo Babs, ante el resumen de su arte y su estilo.

http://www.apoloybaco.com/babsgonzalezbiografia.htm
Wilmer, Valerie, Gente del Jazz, Ediciones Alberti, 1973.

La primera grabación del JAZZ, Freddie Kepard le cede el puesto a Nick LaRocca, la historia de las oportunidades que se dejan pasar.

Por: Hollman Leal Gómez

El símil de la vida con la música es innegable, las decisiones que se tomen en cualquiera de las dos siempre traerán consecuencias positivas o negativas dependerá de la óptica con que se juzgue, dicen los seguidores del autoconocimiento humano, pero también, el capitalismo y su búsqueda de nuevas fuentes de riqueza dentro de nuevos mercados trae en sí mismo consecuencias de todo tipo. Esta es la breve historia de estos dos aspectos unidos a la realización y creación de los primeros registros sonoros de un género que sería fundamental en el siglo XX, me refiero al Jazz.


En el año de 1901, la empresa de Camden, Nueva Jersey, la “Victor Talking Machine Company”, comienza a extender y comercializar en los Estados Unidos, los equipos musicales llamados “Victrolas”, que eran equipos a los cuales se le giraba una palanca para recoger la cuerda mecánica que haría girar un disco sobre el cual se colocaba una aguja metálica que leía los registros sonoros de un acetato y los amplificaba de manera directa y mecánica, es decir sin que un amplificador mediara en esto, o sea un solo tono de volumen. Este novedoso invento cambiaría la concepción de la forma como se escucharía la música, ya que de esta manera no solo se podría escuchar en vivo, sino ahora era posible, escucharla a cualquier hora y momento, las veces que se deseara y llegar a una mayor cantidad de público y lo que vendría seria ilimitado.


El Jazz estaba viviendo una época, nos referimos a las dos primeras décadas del siglo XX, de decisiones y de despertares a un público que cada vez más le interesaba este género, su vitalidad, su ritmo y sus intérpretes. Pero como podía escucharlos? , como podía sentirla música, esperar a que pasara una agrupación y poderles ver, o ir a club nocturno, con las limitaciones legales y no tan santas que esto implicaba.

Fue entonces cuando en diciembre de 1915, los encargados de dirigir la “Victor Company”, decidieron grabar el Jazz por primera vez, sin saber si este género seria aceptado, para la época los discos que se vendían eran de los tenores italianos, como Enrico Caruso y el compositor norteamericano de marchas militares John Philip Sousa. Quien era el músico escogido para este importante menester histórico?, era Freddie Keppard (Febrero 27 de 1889-Julio 15 de 1933), trompetista nacido en Nueva Orleans, con virtuosas y poderosas habilidades para interpretar notas altas y notas bajas, con sonidos que lo identificaban como la risa hecha con la trompeta. Formo la agrupación “The Original Creole Orchestra”, con la cual se dedicó a viajar por los Estados Unidos, con relativo éxito en la ciudad de Los Angeles, California y en Chicago, donde se consolido como músico y se le dio el mote de “KING”, por su portentosa interpretación y sonido fuerte con la trompeta. Extremadamente celoso de sus interpretación, cauteloso de que no se le copiara su estilo por otros músicos, en ocasiones decían que utilizaba un pañuelo para evitar que vieran sus dedos como tocaban la trompeta. Fue entonces como en diciembre de 1915, cuando los estudios de la “Victor Company”, abrieron las puertas para esta cautelosa grabación, categóricamente Keppard, les dijo que no, porque no quería que copiaran su estilo.

Esta decisión de grabar se postergó y solo hasta 1917, se retomó la decisión de conseguir un grupo para este experimento comercial, un hijo de Nueva Orleans, de ascendencia italiana, Dominique James La Rocca, (11 de abril de 1889 – 22 de febrero de 1961) conocido como “Nick LaRocca”, trompetista heterodoxo en su comportamiento y con fuerte carácter musical y personal, quien había aprendido los rudimentos de su instrumento musical de manera autodidacta, a escondidas de sus padres que veían en la música y en la relación con los negros una situación poco alentadora para su hijo. Su decisión de ser músico lo llevo a viajar a otras zonas de los Estados Unidos, en Chicago encontró su destino musical con una agrupación la “Original Dixieland Jass Band”, nótese que Jazz se escribía con dos letras ese, pero se cambió en el álbum por las letra “Z”, para evitar bromas en idioma inglés, ya que le quitaban la letra “J” y hacían otras apologías.

Nick, tal vez no comprendía la magnitud de su presencia en la música Jazz, su estilo estaba regido por lo que había aprendido en Nueva Orleans y por eso escogieron dos temas para esta primera grabación “Dixieland band one step” y el “Livery Stable blues”, se les indico que tocaran de manera un poco acelerada para poder grabar en una cara del acetato un tema musical y por la otra cara otro tema.
El 26 de febrero de 1917 se grabó el primer disco de Jazz. Se vendieron 250.000 copias a $0.75, este fue el primer sonido del Jazz, ya no era necesario esperar a la noche para oírlos y se podía escuchar las veces que lo permitiera la copia, ya que cada vez que se escuchaba se perdía la calidad sonora, al punto de desaparecer luego de escucharlo tantas veces. El sonido de la trompera de LaRocca, se asimilaba a un caballo y el clarinete imitaba un gallo, de manera que esos dos primeros temas eran muy alegres e impactaron a la nueva cultura musical.

La “Original Dixieland Jazz Band”, realizó giras musicales por los Estados Unidos e Inglaterra, pero fueron tan intensas al punto de que todos los integrantes tomaron rumbos distintos tanto por el cansancio, como por el cambio de vida. Este fue el caso de LaRocca, quien decidió un buen día no volver a tocar la trompeta y dedicarse exclusivamente al negocio de la construcción, no sin antes asegurar, defender y jurar que el jazz, no era de origen africano, ni negro y decir que él era el creador del Jazz, al menos así lo decían los cartelas que anunciaban a su banda.

QUEEN, el grupo de rock que comenzó con una sonrisa (Smile)

Por: Hollman Leal Gómez

Todo comenzó con una sonrisa, suena simple pero la sonrisa es en inglés “Smile”, es el nombre que adoptaron los integrantes de esta agrupación, Brian May en la guitarra, Roger Taylor en la batería y Tim Staffel en el bajo, la harmónica y la voz. Staffel y May comenzaron a escribir canciones y de alguna manera ya contaban con experiencias anteriores en grupos de rock, blues y folk, luego de publicar un anuncio en donde solicitaban un baterista lograron fichar a Taylor como resultado de una audición para encontrar un músico con esas especificaciones. Staffel realizó cursos de diseño y dibujo en el “Earling Art College” donde conoce a Farrokh Bulsara (Freddy Mecury), estudiante como él, quien le aporta ideas en el diseño y presentación del grupo.

La agrupación Smile, comenzó su periplo musical tocando en compañía de otras bandas que también iniciaban carrera, nos referimos a Pink Floyd y YES, sus giras estaban limitadas a bares, situación está que Staffel considero que no llenaba sus expectativas por lo que decidió dejar el grupo, dedicándose a su carrera como diseñador y realizador de programas de televisión para la BBC de Londres. Ante esta situación May y Taylor, continuaron en la búsqueda de mantener un grupo de rock, le propusieron entonces a Farrokh Bulsara, quien ya por esos días había cambiado el nombre por el de Freddie Mercury, haciendo apología a Mercurio, como mensajero de los dioses tal como aparece en la mitología romana, de igual forma relacionando las creencias de Freddie con respecto a la astrología. El grupo tenía un cantante pero no tenían un bajista que por sugerencia de Mercury, se incluyó a Paul Deacon, desde ese momento decidieron cambiar el nombre nuevamente por solicitud de Mercury por el de Queen, en 1971, según la página oficial de la agrupación se da como año oficial de su fundación.

En 1973, se presenta el primer álbum homónimo al nombre del grupo Queen (1973), de allí se generan temas basados en las creencias religiosas de Mercury, mezclada con el rock puro de los sesenta y setenta, temas como Seven Seas of Rhye. Es tiempo de giras primero en Inglaterra como acompañantes del grupo “Moot the Hoople” y posteriormente con esta misma agrupación en los Estados Unidos. Continuan su producción discográfica y aparece Queen II (1974), que incluye temas como Father and Son, que definen un sonido propio de esta agrupación. Estas giras que los llevarían al Japón traerían los mejores resultados en un nuevo álbum Sheer Hearth Attack (1974), que incluye temas como “Killer the Queen”,”Stone Crazy Horse”.

En esta fotografia aparece Stafel y no Deacon

Ya en la mitad de la década de los años setenta se inicia la gira ya de una agrupación consolidada por los Estados Unidos y Japón, esta año parte la carrera de la agrupación ya que logran un gran éxito mundial del álbum “A night a the Opera”, donde aparecería el sencillo que les cambiaría su historia “Bohemian Rhapsody”, un tema que por su duración se dijo que en la radio no gustaría, 5:05 minutos, con elementos del canto clásico, con efectos sonoros que sobreponen las voces de los integrantes infinidad de veces para generar el efecto de un gran coro. Para el año de 1976 ve la luz el larga duración “A Day at the races”, este álbum es una continuación del trabajo anterior ya que la producción musical de este grupo era tan amplia en ese momento que tenían material para un álbum doble, pero se toma la decisión de presentar un álbum posterior distinto, que genero otro éxito “Somebody to love”.

Un año después en 1977 de nuevo a los estudios “News of the World” que de nuevo traería dos temas que harían historia “We are the Champions”, que como curiosidad se realizó con la presencia del club de fans de otra banda emergente U2, desconocemos los motivos tal vez por razones de camaradería y “We will rock you”, dos canciones que convirtieron a esta agrupación en una agrupación, su resultado comercial 4 discos de platino en los Estados Unidos.
Pero de nuevo Queen se reescribe y publica un nuevo álbum en 1978, “Jazz” temas con diferentes estilos, eclécticas con tonos diferentes, como el tema “Mustapha”, una apreciación personal invadida de sonidos árabes pero igualmente aparecen “Don´t stop me now”, “Bycicle Race” y “Fat bottomed Girls”.

Continuando con la cronología musical, Queen presenta un nuevo trabajo grabado en concierto “Live Killers”, una recopilación de la gira europea del álbum anterior “Jazz” en el año 1979 y para el año 1980 se viven dos fenómenos uno el relacionado a la aparición de Queen en la banda sonora de una película de escasa figuración “Flash Gordon”, a título particular lo mejor de esta película es la banda sonora, pero sería otro análisis. De igual forma aparece otro álbum titulado “The Game” de donde se desprende un éxito comercial sin precedentes “Another one bites the dust”, sin descartar los otros temas “Play the game” y “Dragon Attack”, “Crazy little thing calle loved” demuestran un sonido maduro, con mayor integración musical y virtuosismo instrumental.

En el año 1981 el marketing invade la banda publicando “Greatest Hits” audio de música, “Greates Flix” recopilación de videos y “Greates Pix” libro biográfico que contiene información y fotografías de la agrupación inglesa. Para 1982 aparace el álbum “Hot Space”, que un incluye un tema que nacio de la improvisación y del encuentro en estudio de David Bowie con el grupo, también se incluyen “Body Language”.
Se realiza un receso de esta producción anual de álbumes y solo hasta 1984 aparece la agrupación con un trabajo llamado “The Works”, con una mayor presencia de sintetizadores y sonidos electrónicos. “Radio Ga Ga”, “I want to break free”.

Ya en el primer lustro de la década de los años ochenta Queen participa en varios festivales que lo llevaron a incrementar su fama y su público “Rock in Rio”, en Rio de Janeiro en Brasil y el Live Aid, en el estadio de Wembley en Londres, Inglaterra, con un inigualable presentación de agrupaciones y solistas.

Para el año siguiente año apare el álbum “A kind of magic” (1986), de nuevo la banda sonora de nueva película “Highlander”, Los Inmortales como se conocería en español, temas como “A kind of magic”, “Who wants t olive forever” hacen parte de los temas de esta producción y adicionalmente en otra realización cinematográfica “Iron Eagles” aparece el tema “One visión” al finalizar este año aparece un disco grabado en concierto llamado “Live magic”.

“Barcelona” se denomina a un tema que apareció en el año de 1987 y que el Comité Olímpico Español, decidió incluir como tema de las Olimpiada de 1992, este tema compuesto por Freddy Mercury y cantado a dúo con la cantante lírica Monserrat Caballé.
Para 1989 se realiza el álbum “The Miracle”, convirtiéndose en un éxito rotundo como los álbumes anteriores, su último álbum de estudio fue “Innuendo” vio la luz en el año de 1991 como sencillo primero y luego como álbum. Ese año el 23 de noviembre Freddy Mercury anuncia por medio de un comunicado de prensa que sufre de S.I.D.A, al dia siguiente fallece.
Comenzaron a llegar los tributos musicales y fue el estadio de Wembley el gigantesco escenario para la realización de este evento el 20 de abril de 1992, músicos de distintas corrientes del rock, de diferentes generaciones y estilo se reunieron ante 72.000 personas y televisado mundialmente.

Como álbum póstumo aparece «Made in heaven”, con las grabaciones en los últimos meses de vida del líder cantante de esta banda.
Esta es una sencilla cronología musical de una agrupación que encerró el claro gusto por la estética de cada uno de sus integrantes, el gusto por el concepto clásico de la música de cámara y la interpretación del rock dinámico, vivo y con inteligencia en sus composiciones, música hecha con conceptos claros, con conocimiento de hacia donde se quería llegar y con profunda creatividad y lo mas valioso un deseo por trascender en historia del rock, música hecha para perdurar en el tiempo que comenzó con una sonrisa.

DISCOGRAFIA:
Queen (1973)
Queen II (1974)
Sheer Heart Attack (1974)
A night at the opera (1975)
A day at the races (1976)
News of the world (1977)
Jazz (1978)
Live Killers (1979)
Flash Gordon (1980)
The Game (1980)
Greatest Hits I (1981)
Hot Space (1982)
The Works (1984)
A kind of magic (1986)
Live Magic (1986)
The Miracle (1989)
At the BBC (1989)
Innuendo (1991)
Greatest hits II (1991)
Live at Wembley (1992)
Made in heaven (1995)

bibliografia
http://www.todomusica.org
http://www.sing365.com/music/lyric.nsf/Queen-Biography/5C191B5E5179AC9B4825689400010A9F
http://www.thebiographychannel.co.uk/biographies/queen.html